Hector Berlioz
(La Côte-Saint-André, Francia, 1803-París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.

Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el joven Hector aprendió a tocar la flauta y la guitarra y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de medicina en la universidad. No los concluyó: fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala, el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran en el campo literario.


Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la Sinfonía fantástica, subtitulada Episodios de la vida de un artista. Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos –que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos–, la superación de la forma sinfónica tradicional y la subordinación a una idea extramusical.

La escala cromática
A finales del siglo XIX, y dado el hecho del uso cada vez más frecuente de los sostenidos y los bemoles, la música occidental comenzó a basarse no en la escala diatónica, sino en la cromática: 12 notas en una octava, separadas por un semitono: do, do#, re, re #, mi, fa, fa #, sol, sol #, la, la #, si (y do).
Escala descendente: si, sib, la, lab, sol, solb, fa, mi, mib, re, reb, do (y si)

Total 12 sonidos.

Los alleluias son pequeñas composiciones heredadas de las aclamaciones hebreas que en la música occidental tendrán una gran importancia, sobre todo germen de la música profana posterior.En sus comienzos , los alleluias aparecen estar en dependencia de la melopea clásica, en que la cítara o la lira hacía un breve ritornello instrumental al final de cada versiculo.
Este ritornello pudo inducir, a las primeras comunidades , a aplicarles al final de los versiculos, o de las antifonas, unos melismas cadenciales cantados sobre la palabra alleluia que en los tiempos antiguos recibió el nombre de jubilus. Posteriormente, la importancia de estas terminaciones fue adquiriendo entidad propia y consiguió su total independencia. La época que va desde el siglo V hasta el VII, siglos de oscuridad y de afianzamiento, es un periodo donde la música eclesiástica sirve incondicionalmente al texto litúrgico. Es también la época de las liturgias regionales, que en el siglo, que en el siglo VI deberán ser unificadas durante el pontificado de San Gregorio I (540-604, papa desde 590), pero no son sin una fuerte oposición por las demás liturgias regionales, como la mozárabe en España y la ambrosiana en Milán.
Mas la expansión de los benedictinos con Agustín en Inglaterra fue elemento de trascendental importancia, ya que de Inglaterra pasaron al territorio de los francos, donde con Carlomagno la regla benedictina unificó la vida monacal de toda Europa, y con ella la liturgia y la reforma de San Gregorio se hicieron ley para toda la iglesia. El primer documento ,Ordini Romani, fue encontrado en un manuscrito de la abadia de St. Gallen. En él se nos describe el ceremonial romano desde el siglo VI al IX, donde se da relación de los papas que contribuyeron a la creación de un cantoral para todo el año. Dichos papas fueron León I, Gelasio, Simaco, Juan, Bonifacio, Gregorio I y Martin I.
La tradición de ligar a San Gregorio con la historia de la música eclesiástica de occidente reside en la biografía que Juan Diácono escribiera sobre el pontifice 300 años después de la muerte de aquél. Las ilustraciones antiguas , en las cuales el papa Gregorio, sentado, escribe al dictado las notas que el Espiritu Santo le dicta, son interpretaciones de esta tradición creada por el biógrafo. Pero no creamos que por ello toda la tradición es sólo leyenda.
San gregorio recopiló y unifico los cantos existentes; creó con sus ayudantes, otros cantos; los difundió por medio de los monjes por toda Europa; unifico la liturgia y su lengua; creó en Roma, la escuela de cantores que, prácticamente se ha prolongado hasta nuestros días, en las capillas Sixtina y Gulia, que corren con la música que se hacen en los actos de culto.



CANTO GREGORIANO

En los orígenes del canto gregoriano, se encuentra el repertorio romano compuesto esencialmente durante los siglos V y VI por la schola cantorum.

En la segunda parte del siglo VIII, el soberano del reino franco decreta que se adopten las costumbres litúrgicas romanas que él ha podido apreciar en la ciudad eterna.

El texto manuscrito de los cantos romanos fue tomado como texto de referencia. En general, el canto romano y su arquitectura modal fueron aceptados por los músicos galicanos, pero éstos lo vistieron con una ornamentación completamente diferente.

Este resultado híbrido de los cantos romanos y galicanos es lo que llamamos hoy canto gregoriano.

Con el tiempo, se va disminuyendo el papel y la capacidad de la memoria en la civilización europea, y este fenómeno tiene consecuencias desastrosas para el canto, puesto que sin tradición oral, la música hay que escribirla. La decadencia es total a fines de la edad media: en esta época, los manuscritos están llenos de "una pesada y fastidiosa sucesión de notas cuadradas". El Renacimento le da el golpe final: las melodías son "coregidas" por los musicólogos oficiales y las largas vocalizaciones reducidas a unas cuantas notas.

En 1833, un joven sacerdote de Le Mans, Dom Prosper Guéranger, se decide a restaurar la vida monástica benedictina en el priorato de Solesmes, después de cuarenta años de interrupción debido a la Revolución francesa. Entre sus proyectos está el abordar la restauración del canto gregoriano. Esto lo hace con entusiasmo. Empieza por la ejecución y pide a sus monjes que respeten en su canto, sobre todo el texto: pronunciación, acentuación, y atención. Todo esto para mejorar la inteligibilidad del canto, lo cual hace posible una verdadera oración.
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musica

Todo sobre la musica: Ars Nova

Los voicings en todas tonalidades

clase piano voicing Mid.

Cada nota melódica puede ser armonizada con tres acorde diatónicos, ya que ésta puede ser considerada fundamental , terrcera o quinta de un acorde.

La nota melódica do en la tonalidad de Fa mayor se puede armonizar como el primera grado de do en la triada de do, el tercero en la triada de la menor o el quinto en la triada de fa.

DO MI-SOL-DO (DO EN LA NOTA MAS AGUDA COMO MELODIA)
LAm MI-LA-DO (DO TERCER GRADO DE LA EN LA MELODIA NOTA MAS GRAVE)
FA FA-LA-DO (DO QUINTO GRADO)

Compositor italiano. Fué un musico verdaderamente precoz, pues a la edad de 7 años ya tocaba el violoncelo en una orquesta dirigida por su padre. Empezó luego los estudios sistemáticos de música en el Conservatorio de Palermo, en donde estuvo por espacio de nueve años, tras los cuales inició un viaje de conciertos por toda Italia del Sur. Pasó luego a Munich, donde estudió la música alemana, y seguidamente fue a Inglaterra, colaboró con la orquesta Maplesón, y por último regresó a su país, donde primero se estableció como profesor en Milán, y luego se le nombró sucesivamente profesor del Consevatorio de Palermo y del Real Instituto Musicale de Florencia. Como compositor son importantes sus obras para orquesta, entre las cuales figuran la obertura de la obra de Marenco Celeste, ilustraciones musicales para la Francesca da Rimini,, de D´Annunzio, una Sinfonía Marinesca, una Sinfonia romántica, etc. Compusos también obras para instrumentos de cuerda, solos o con piano, unas cincuenta canciones( entre ellas el ciclo La vie interieure) , música religiosa, obras corales y para voces solas, y cinco óperas: Il progettista, Matelda, Sortilegio, Cortigiana y Gringoire.. Nació en Trápani (Sicilia) en 1850; murió en Florencia en 1922.

musicaBACH Y LA ENSEÑANZA DE LA COMPOSICION
( Joh. Ph. Kirnberger en Reflexiones sobre los diferentes métodos de la composición : "Gedanken über die verschiedenen lehrarten in der komposition" 1782.

Johann Sebastian Bach siempre compone en un estilo totalmente puro y cada pieza suya tiene una completa unidad de carácter. Ritmo , melodía, armonía, es decir, todo cuanto hace a una composición hermosa, lo posee él plenamente, como lo atestiguan sus obras. Su método es el mejor porque procede progresivamente , paso a paso, de los más fácil a lo más dificil y, como resultado, aun el paso a la fuga no tiene más dificultad que la que hay que pasar de un paso al próximo. Por esta razón yo considero el método de Johann Sebastian Bach como el mejor y el único. Es de lamentar que este gran hombre nunca escribiera nada teórico sobre músicay que su enseñanza sólo haya llegado a la posteridad a través de sus discípulos. Yo he pensado en reducir a principios el método de Joh. Seb. Bach y en exponer sus enseñanzas ante el mundo, lo mejor que me sea posible en mi Arte de la composición pura . ( Kunst des reinen Satzes).



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musica(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida fama, hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos pianistas compositores, han dejado una huella de indudable importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su acción , entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no es menos cierto de loa que ha perdurado de su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre Chopin, como se puede comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field, discípulo de Clementi, ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste, la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema elegancia y de exquisita gracia. Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou le voyage sur mer...
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.

Alfredo Casella (el piano).

En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe. Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.

En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.

Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

Cortesía de:JAZZ VINO Y LITERATURA

Letra en inglés

Jingle Bells
Jingle Bells, Jingle Bells
Dashing through the snow,
In a one horse open sleigh
O'er the hills we go,
Laughing all the way.
Bells on bobtail ring
Making spirits bright.
What fun it is to ride and sing
A sleighing song tonight.
Chorus:
Jingle bells, jingle bells,
Jingle all the way!
Oh what fun it is to ride
In a one horse open sleigh







Jingle Bells.mid




TRIADAS
ARMADURAS
CLAVES
INTERVALOS
NOTAS MUSICALES
PENTAGRAMA

Recordar: teoría musical
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José Luis

triadas

Ejercicio para los dedos.

No subir los brazos. solo los dedos.

Repetirlo muchas veces y cogereis agilidad en los dedos, sobre todo hacer más los de la mano izquierda.

La canción polifónica profana del siglo XIV , o cantinela, se elabora a partir de las formas con estribillo: (RONDO, VIRELAI, BALADA) y de las estructuras del conductus y del motete.La mayoria de las veces está escrita para tres voces: una voz superior animada, escrita en primer lugar, que lleva el texto y está determinada por la forma de este último; dos voces inferiores instrumentales, el tenor - indisociable del superius, al que sirve de apoyo melódico- , escrito en segundo lugar, y el contratenor, completamente armónico y poco melódico.

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RONDO
VIRELAI
BALADA
CONDUCTUS
MOTETE
TENOR
LA CHACE
CONTRATENOR
F. historía de la música: (Espasa).

musica

José Luis

Conmemoración del día de la música(Europa).

El nacimiento del Jazz
El nacimiento del jazz, por mucho que verdaderos talentos de la investigación se hayan empeñado en datarlo, se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales de siglo XIX. El Gospel. el Blues, los MINSTRELS, PAYASOS NEGROS< EL RAGTIMEmás tardío e invención de Scott Joplin, crearon el transfondo sobre el queJELLY ROLL MORTON se permitiría autoproclamarse "inventor del jazz".

EL JAZZ

INTERVALO 8ª _ INTERVALOS SIMPLES-INTERVALOS COMPUESTOS

Cuando la distancia entre dos notas que forman intervalo es inferior a la octava, el intervalo es simple y compuesto en caso contrario. En el caso de la octava justa, para algunos tratados , es el último intervalo simple, para otros , el primero compuesto, sin más importancia.

Para medir un intervalo compuesto es mejor reducirlo a uno simple y añadir luego seis tonos (una octava, que tiene siete grados).

Si es de tercera mayor DO_MI(8ª) - lo pasamos a simple DO_ MI (3ª) que es una tercera mayor , le sumamos 7 que son los grados de la octava, y tenemos 7+3= 10, luego tenemos una 10ª mayor.

La rama más importante del árbol genealógico nace del segundo hijo de Hans (8), Christoph (26), abuelo de Joh. Sebastian. Se han podido reunir sólo muy escasos datos referentes a él. Fué lacayo del duke de Weimar, cargo que implicaba el de músico en la corte ducal. Más tarde se trasladó a Erfurt donde junto con su hermano Johann (9) fué miembro de la "compañía de los músicos ".
Finalmente lo encontramos en Arnstadtdonde vivía su hermano Heinrich (17); allí murió como músico de la corte condal y del municipio.

Sus tres hijos que le sobrvivieron, fueron todos músicos - El mayor, Georg Christoph (27) , nacido en Erfurt, fué chantre en varias ciudades , en último término en Schweinfurt donde murió. uno de sus hijos, Johann Valentin (28) , ocupó el mismo puesto (según nota de Philipp Emanuel ). Más importantes fueron sus dos hijos , Johann Lorenz (29) y Johann Elias (30) . Joh. Lorenz fué organista en Lah,, en Franconia;
Joh. Elias estudió en Leipzig donde vivía en casa de su primo Joh Sebastian a quien ayudó como secretario en su correspondencia y otros quehaceres. Más tarde fué, como su padre y su hermano, chantre en la ciudad de Schweinfurt. Entre sus tres hijos se destacó el segundo, Johann Michael (31); siguiendo la tradición de la familia fué en un principio chantre pero luego viajó por el mundo visitando Holanda, Inglaterra y América. Finalmente se estableció como abogado en una ciudad de Meklemburgo. Escribió varios conciertos para uno y dos claves y orquesta, cantatas, un melodrama y tratado de bajo gene

Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de 1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres ) que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) , usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes. Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas (1912), números 2 y 4; sonata d´Indy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.

En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.

Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.

.
Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.

VISITAR: HISTORIA DEL PIANO

Juan Sebastian Bach

CIUDADES DONDE RESIDIO BACH_______________GENEALOGIA
De Hans Bach(1) que no figura en la genealogía, se sabe solamente que vivía en Wechmar, pueblo cercano a Gotha, alrededor de 1561. Se supone que fué el tatarabuelo de Johnn Ambrosius, el padre de Juan Sebastian Bach, su existencia resta probabilidad a la tesis según la cual la familia de los Bach es oriunda de Hungría. Esta teoría se basa en la noticia de que Vitus (2) fué panadero de Hungria, país que tuvo que abandonar por su culto luterano. Vitus se radicó presisamente en Wechmar donde siguió ejerciendo de panadero; su afición a la música, relatada en la genealogía , es citada por Forkel. Poco se sabe
de otro miembro de la misma rama, Kaspar(3) que entre 1620 y 1640 figura como músico municipal en gotha y Arnstadt.
Lips (4), hijo mayor de Vitus, sobrevivió a su padre solo un año; dejo tres hijos cuyos dones musicales están atestiguados por el hecho de que el entonces conde reinente de Schwarzburg-Anrnstadt los mandó a sus espensas a Italia para que perfeccionaranen la música. De esta rama lateral , que se prolongara ahasta nuestra época, nacieron numerosos músicos de los cuales adquirió particular renombre Johann Ludwing (5)
Chantre y director de la capilla de Meiningen , alrededor del 1708 Juan Sebastian Bach apreció mucho a este músico, cuyo hijo Samuel Anton (6) fué durante un tiempo su alumno y posteriormente , organista en la corte de Meiningen. Otro descendiente de la misma rama , Johann Philipp (7), muerto en 1846, ocupó el mismo puesto.
El hijo menor de Vitus, Hans, (8), ein Spielmann :(músico popular) aprendió la profesión con un trompetista municipal de Gotha ; más tarde volvió a Wechmar pero fué llamado muy a menudo a otra ciudades, Erfurt, Eisenach, Arndtadt, para reforzar la banda municipal. Murió en una epidemia en 1626, Fué el bisabuelo de Joh. Sebastian. En sus tres hijos se afirmó definitivamente la profesión musical de la familia.
El fijo mayor Johann (9), después de un largo aprendizaje en Suhl, ciudad de la selva de Turingia, ocupó el puesto de organista en Schweinfurt sobre el Meno, t más adelante fué nombrado director de músicos municipales en Erfurt y, simultáneamente , organista en la iglesia de los Predicadores en la misma ciudad. Tuvo 4 hijos.
El hijo mayor, Johann Christian (10) sucedió a su padre en el mismo puesto. Sus dos hijos Johann Jakob (11) y Johann Christoph (12) eran también músicos; el primero en Eisenach, junto a Johann Ambrosius, el padre de Joh. Sebastian. El segundo fué chantre en el pueblo de Gehren. Los tres hijos de Joh. Christoph fueron tambien músicos en diferente ciudades de Turingia.
Johann Aegidius (13) , segundo hijo de Johann (9)fué músico muy hábil; tocó la viola en la banda que dirigía su padre en Erfurty luego obtuvo el puesto de organista en la iglesia de San Miguel en la misma ciudad. De sus cinco hijos dos le sobrevivieron. El mayor Johann Bernhard (14), fué nombrado organista y compositor que actuó en Erfurt, Magdeburgo y, finalmente , en Eisenach, donde sucedió a su primo Johann Christoph (18). Alli fué nombrado tambien músico de cámara de la corte . Joh. Sebastian copió gran parte de sus obras y las ejecutó en Leipzig. Se han conservado de él piezas para clave y órgano , y Suites para orquesta.

Su vida

CIUDADES DONDE PASO SU VIDA.
Hay una nave en la Georgenkirche de Eisenah en la que que se alza
una pila bautismal erigida en el año 1503. en la que se celebró una ceremonia el día 23 de marzo de 1685, y hoy aún la nombra el pastor que celebra algún Bautismo. Ese día el músico municipal Johann Ambrosius Bach bautizó a su hijo con el nombre de Johann Sebastian. Los padrinos fueron el músico municipal Sebastian Nagel y Johann Georg Koch, que erá guardabosques ducal en Eisenach.
Primeros años (1685-1703)
Nació en Eisenach (Turingia, Alemania) el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Scarlatti y Haendel) en el seno de una familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia. La madre de Bach murió cuando él tenía 9 años de edad. Un año más tarde murió su padre Johann Ambrosius Bach (1645-1695), que era músico de la ciudad y le había enseñado los rudimentos de la música. El joven Bach fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph Bach (1670-1722), 16 años mayor que él, por entonces organista de Ohrdruff. De él aprendió Bach a tocar el órgano y la composición. En 1700 comenzó a trabajar como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.






Cantatas sacras BWV 1 AL 200
Cantata BWV 4 (1707)
Cantata BWV 8 (1724)
Cantata BWV 12 (1714)
Cantata BWV 35 (1726)
Cantata BWV 51 (1730)
Cantata BWV 54 (1714)
Cantata BWV 56 (1726)
Cantata BWV 78 (1724)
Cantata BWV 80 (1724)
Cantata BWV 82 (1727)
Cantata BWV 106 (1707)
Cantata BWV 140 (1731)
Cantata BWV 147 (1723)
Cantata BWV 170 (1726)
Cantata BWV 198 (1727)

Cantatas profanas BWV 201 AL 224
La disputa de Febo y Pan BWV 201 (1729)
Eolo apiciguado BWV 205 (1725)
Cantata de Caza BWV 208 (1713)
Cantata del Cafe BWV 211 (1735)
Cantata de Campesinos BWV 212 (1742)

Motetes BWV 118, 225 AL 231
Motetes BWV 118, 225-230

Misas BWV 232 AL 243
Misa en si menor BWV 232 (1724-1748)
Magnificat BWV 243

Pasiones y oratorios BWV 11, 244 AL 249
Pasión según San Mateo BWV 244 (1727)
Pasión según San Juan BWV 245 (1724)
Oratorio de Navidad BWV 248 (1734-1735)
Oratorio de Pascua BWV 249 (1735)

Corales, arias y quodlíbets BWV 250 AL 524
Quodlíbet BWV 524 (1707-1708)

Musica instrumental BWV 525-1120

Música para órgano BWV 525 AL 771, 1027a, 1090 al 1120
6 Sonatas BWV 525-530 (1727)
Preludios, toccatas y fugas BWV 542, 543, 548, 564, 565
Fugas BWV 575, 578
Pasacalle y fuga BWV 582 (1715?)
Ejercicio BWV 598
Orgelbüchlein BWV 599-644
Corales Schubler BWV 645-650 (1746)
18 Corales de Leipzig BWV 651-668
]
Música para clavecín BWV 772 AL 994
Sinfonías e invenciones BWV 772-801 (1724?)
[3] Sinfonía nº 15 BWV 801
4 Duetos BWV 802-805
Suites francesas y inglesas BWV 806-817
6 Partitas BWV 825-830 (1725-1731)
Obertura Francesa BWV 831
Clave bien temperado, libro 1 y 2, BWV 846-893 (1722, 1742)
Fantasía cromática y fuga BWV 903
Concierto italiano BWV 971
16 Conciertos BWV 972-987 (1714-1716)
Variaciones de Goldberg BWV 988 (1741)

Música para laúd BWV 995 AL 1000
Suites BWV 995-997
[4] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº1 Preludio.
[5] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº2 Fuga.
[6] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº3 Sarabande.
[7] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº4 Gigue.
[8] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº5 Double.




Música para instrumentos solistas BWV 1001 AL BWV 1013
6 sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006 (1722)
6 suites para violonchelo solo BWV 1007-1012




Música de cámara BWV 1014 al 1040
6 sonatas para violín y clavecín BWV 1014-1019 (1725)
3 sonatas para viola da gamba y clavecín BWV 1027-1029
Sonatas para flauta y clavecín BWV 1030-1035

Musica orquestal BWV 1041 AL 1071
3 Conciertos para violín BWV 1041-1043
6 Conciertos de Brandeburgo BWV 1046-1051
Conciertos para clavecín solista y cuerda BWV 1052-1065 (1735)
4 Suites BWV 1066-1069

Música canónica y especulativa BWV 1072 AL 1089
Cánones BWV 1072-1078
Ofrenda Musical BWV 1079 (1747)
El arte de la fuga BWV 1080 (1749-1750)

Citas sobre su figura
"Lo que Newton fue como cientifico,Bach lo fue como musico"(C.F Daniel Schubart,S.XVIII)
"Nuestro Bach es el mejor intérprete de órgano y clavecín que ha existido" (anónimo, s. XVIII).
"Esto [la música de Bach] es algo que hay que aprender" (Wolfgang Amadeus Mozart).
"Solamente hay uno de quien los demás podríamos sacar algo nuevo: Johann Sebastian Bach" (Robert Schumann).
"La música le debe tanto, como su religión a su fundador" (Robert Schumann).
"La chacona BWV 1004 es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento, un hombre describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o incluso concibiendo tal obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco" (Johannes Brahms).
"Esta semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que —como yo— ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios" (Friedrich Nieztsche).
"Es imposible describir la inmensa riqueza de su música, su naturaleza sublime, y su valor universal, comparándola con cualquier otra cosa en el mundo" (Richard Wagner).
"Considero superfluo querer describir los excepcionales méritos del Signor Bach, ya que su fama es conocida, tanto en Alemania como en nuestra querida Italia. Sólo quiero decir que sería difícil encontrar un mejor profesor. Hoy en día él podría presumir con razón de que es el mejor de toda Europa" (Giovanni Battista Martini).
"Es el amado Dios de la música, a quien todos los compositores deberían elevar una oración antes de ponerse a trabajar" (Claude Debussy).
"El principio y el fin de toda la música" (Max Reger).
"[Bach es] el exponente del más alto grado de perfección que puede lograr el hombre" (Paul Hindemith).
"Inicialmente estaba Bach..., y entonces todos los otros" (Pau Casals).
"A pesar de todo mi amor para muchos otros —y Beethoven y Mozart no son lo menos— puedo solamente estar de acuerdo con Casals: Bach los domina a todos" (Paul Tortieler).su vida
Noticia musical de 1774.
Johann Philipp Kirnberger (arte de la composición pura)
DE LA COMPOSICION A 4 VOCES
Pero la mayor pureza de la composicion no basta para hacer perfecto un canto a cuatro voces; cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual y, al mismo tiempo, todas las voces deben conbinarse agradablemente.
Primero, por lo tanto cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual. No hay que creer que se ha hecho una composición a cuatro voces porque se haya evitado que varias voces prosigan en octavas consecutivas. No hay tal vez en toda la ciencia de la composición nada más dificil que esto; no solo dar a cada una de las cuatro voces su propia melodía fluída, sino consevar a todo trozo un carácter uniforme, de modo que de su unión pueda nacer un todo único y perfecto. En esto el desaparecido director de orquesta Bach, de Leipzig, sobresalía tal vez entre todos los compositores del mundo, por lo cual sus corales, asi como todas sus obras deben ser altamente recomendadas a todos los compositores, como los mejores modelos para un estudio concienzudo. Aun compositores de experiencia se persuadirán fácilmente de este hecho, tratando de agregar al bajo y soprano de uno de esos corales un contralto y tenor, haciendo esas voces tan cantables y justas en expresión como las otras dos.

(Die Kunst des reinen Satzes) 1774Notcia musical de 1774




BREVE BIOGRAFIA DE BACH (LA IRE AMPLIANDO POCO A POCO)
Johann Sebastian Bach

(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.

A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.


Johann Sebastian Bach

Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte.

A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo.




Articulo sobre Bach


MUSIKALISCHER ALMANACH (Almanaque musical) de 1796

Editado por J. F. Reiichard

BACH (Johamm Sebastian) , compositor vocal e instrumental , organista y pianista. Nacido en Eisenach, marzo 21 de 1685, muerto en Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Jamás ningún compositor, ni aun los mejores y los más profundos entre los italianos, agotó todas las posibilidades de la armonía como lo hizo este gran artista. Bach empleaba todo el arte armónico adecuado y cada artificio armónico inadecuado , en serio y en broma, con tal audacia y personalidad, que los más grandes armonistas, si hubieran sido llamados para suplir un solo compás que faltara en una de sus grandes obras, no hubieran tal vez estado seguros de suplirlo exactamente tal como Bach lo hiciera.
Sus obras para clave y órgano duraran tanto como duren esos espléndidos instrumentos , representando la más alta escuela para organistas y clevecinistas, así como él, en su calidad de artista ejecutante, era el más excelso modelo para organistas y clavecenistas. Invento la digitación adecuada y segura y el estilo significativo de ejecución, con el cual combinó sabiamente la técnica ornamental de los artistas franceses de su tiempo e hizo asi necesario e importante el perfeccionamiento del piano, en cuya tarea estuvo Silbermann tan afortunadamente de su parte.
Sus obras vocales, si bien están llenas de inventiva y de la más sabia composición, y llenas tambien de fuertes y genuinos rasgos en lo que atañe a la expresión , revelan sin embargo una carencia excesiva de buen gusto , de conocimiento del lenguage y de la poesía, y por lo tanto tienen completamente la forma convencional de su época , de modo que dificilmente pueden mantener su validez. Sin embargo tambien ellas permanecerán , para todos los tiempos, como verdaderos estudios para artistas atentos y aplicados y excelentes piezas de ejercicio pa

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José Luis

Julio Alfredo Jaramillo Laurido, nació el 1ro de Octubre de 1935, en un pequeño departamento en Gómez Rendon y Villavicencio en la ciudad de Guayaquil.
El dia de su muerte, 9 de Febrero de 1978 la multitud ocupo varias cuadras a la redonda e interrumpio el trafico. y seguia llegando la gente y muchos grupos comenzaron a cantar Fatalidad y Nuestro Juramento.
Julio Jaramillo camino por las mismas calles que nosotros, se guarecio bajo los mismos portales y canto debajo de los mismos balcones, y aun asi tuvimos que esperar el cariño que vimos en su entierro para comprender el significado que tuvo su vida y su trayectoria musical.
Recien nos dimos cuenta que del error que habiamos cometido cuando lo dejamos partir, de la forma que lo hicimos, a buscar en otros paises el reconocimiento que aqui se le negaba. El artista fue velado en el Palacio Municipal de Guayaquil. Una vez en el Salon de la ciudad se organizo un acto sencillo. El Alcalde Raul Baca no estaba, nadie recuerda tampoco a un concejal, a ningun representante del Gobierno militar.


Julio Jaramillo
Jaramillo es una leyenda y a la hora de calificar a los valores que Ecuador ha tenido a lo largo de esta centuria, sin duda alguna sera considerado como el cantante del siglo.
Nuestro JuramentoCancion que lo hizo famoso y su disco rompió records de venta que aun hoy, habiendo transcurrido mas de cuarenta años, cuesta mucho alcanzar.
De pronto, Ecuador fue mas visible que nunca en el mapa. Desde Mexico hasta Bueno Aires, pasando por Lima y Caracas sus discos estaban de moda.
Julio no se dio cuenta de lo que estaba ocurriendo hasta que llego a Montevideo y una multitud de fanaticos lo fue a recibir para volverlo a bautizar como Mr Juramento

Su Musica y Canciones

Rondando tu esquina
Un disco mas y Niegalo todo
Odiame
Nuestro Juramento
Juramento
Carnaval de la Vida
Fatalidad
Alma Mia




Mas canciones de
Julio Jaramillo

Coleccion de Oro

Boleros Inmortales

El banjo es un instrumento musical constituido por una caja metálica, chata y circular, cubierta en la parte superior por un pergamino y abierta en la inferior, con un largo mástil. El número de cuerdas puede variar de cuatro a nueve, y se pulsan con un plectro o con los dedos.

Este instrumento da un sonido muy característico a las bandas de country en sus distintas modalidades, y la velocidad de pulsación de sus cuerdas varía de unos estilos a otros, por ejemplo, en el bluegrass el ritmo es tan rápido que causa admiración.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Banjo"

Sacerdote e ilustre compositor francés que llegó a ser obispo de Meaux después de haber sido capellán de dos monarcas. Es célebre por haber intrOducido en Francia el Ars Nova. Aunque se carece de suficiente documentación exacta, parece que simplificó los complicados procedimientos de notación de los compositores italianos de su época, inaugurando de este modo un sistema de notación que llegaría a ser secutar. Se le atribuyen varias obras y tratados teóricos importantes , pero hasta ahora no se ha podido asegurar su autenticidad de manera fehaciente . Nació en Vitruen, Champagne, en 1321 ; murió en París en 1361.

Figura de nota. Fórmula meódica ornamental añadida a los cantos litúrgicos. En el tranascurso de La Edad Media, con el fin de conseguir que el oficio pareciese más solemne, se tenia la costumbre de añadir a las antífonas y ciertos responsos vocalizaciones de recambio frecuentemente interminables, llamadas neumas. Estas vocalizaciones tan pronto se intercalaban entre ciertas palabras como se adptaban a la última sílaba. No tenían en si mismas ninguna significación. Un canon del Sínodo de Reims , en 1583, ordenó su supresión sin que se tocasen, no obstante, las propias melodías. Estas clases de neumas se usan todavía en ciertos países.

SELLO FILATELICO DE ELVIS PRESLEY 

musicamusica

MI CONJUNTO

El fandango
FANDANGO MID.
Danza cantada española. A tres tiempos y en un movimiento bastante rápido. Entre los tipos de danza castizamente españoles es uno de los más antiguos, de los más usados y más celosamente conservados. Con la rondeña, la malagueña,las murcianas, y las granadinas, forma un grupo que se confunde bajo la única denominación de fandango, no diferenciándose entre si más que en alguna variante en la armonía del acompañamiento y en la tonalidad. Se acompaña con guitarra y castañuelas. Entre copla y copla, la guitarra acompañante acostumbra ejecutar, a veces improvisándolos, pequeños y oportunos interludios. En Cataluña , durante la primera mitad del siglo XIX, el fandango adquirió cierta popularidad en algunos pueblosnde la región norte de la provincia de Lérida , acompañandose los bailadores con castañuelas de boj hechas por ellos mismos. Igual puede decirse de las provincias de Castellon de la Plana y de Alicante, donde era bailado en esta última al son de la guitarra, del guitarro y de las imprencindibles <i>castañuelas. Según Gevaert, su ritmo tradicional es el mismo que el de la rondeña y de la malagueña, esto es ternario, con movimiento rápido; marcado por dos tocadores de castañuelas que repiten dos veces los cuatro compases de la partitura, entre cada copla cantada. Sin embargo otros cantores emparentan el fandango con las seguidillas y le atribuyeron otra fórmulas rítmicas: Hawkins (1776) , que lo declara una danza favorita de los españoles, presenta un modelo de 6/8. Hacia el mismo tiempo, http://www.galeon.com/gluck/indice.htm">%20style="text-decoration:underline">GLUCKen su ballet Don Juan (1761) y Mozart en Las bodas de Figaro (1786) emplearon modificándola más o menos , una melodía conocida en Viena bajo el título de fandango.
A. Adam incluyó en su ópera bufa Le toreador (1849) un fandango de fantasia. El Capricho español de Rimsky-Korsakov, termina con un fandango asturiano (1887). El número tres de la encantadora suite de Enrique Granados, Goyescas, de la que nació la ópera del mismo nombre, lleva el título del fandango del candil y la advertencia o leyenda escena cantada y danzada lentamente con mucho ritmo. el dibujo inicial el cual se basa todo el fragmento corresponde al ritmo designado por Gevaert como propio de las seguidillas.
Cante Aunque en el principio fue cante para bailar, en la actualidad muchas de sus variantes son cantes para escuchar. Los temas suelen ser de carácter sentencioso, algunos con importante carga político-social o de tema amoroso. Se puede cantar acompañado con instrumentos o “a palo seco”, es decir, golpeando en una mesa con el puño cerrado para el primer tiempo y abriendo los dedos progresiva y rítmicamente para los otros dos.La pluralidad de fandangos es inmensa aunque podrían sintetizarse en tres grupos:
a) Fandangos regionales (de Huelva, de Lucena, de Málaga...).
b) Fandangos personales o de creación propia (de El Gloria, de Pérez de Guzmán, de Vallejo, de Cepero...).
c) Por derivación nacen las malagueñas, rondeñas, granaínas y murcianas. Algunos de los primeros intérpretes fueron El Niño de Cabra, Rafael Pareja, Pérez de Guzmán, El Gloria, etc., pero es Pepe Marchena quien aleja el fandango de los moldes clásicos regionales y lo populariza por completo. Manolo Caracol sigue otra línea, también personalista, pero llena de sentimiento y de jondura gitana. Las coplas son de cuatro o cinco versos octosílabos, que en ocasiones se convierten en seis por repetición de alguno de ellos.

http://www.twosteptidewater.com/photo-album/fandango.gif"> style="text-decoration:underline">BAILE

100 COMPOSITORES
Albinoni, TomasoAlbéniz, IsaacAllegri, GregorioAnderson, LeroyBach, Carl Philipp EmanuelBach, Johan ChristianBach, Johann SebastianBach, P.D.Q.Barber, SamuelBartók, BélaBeethoven, Ludwig vanBerlioz, HectorBernstein, LeonardBingen, Hildegard vonBizet, GeorgesBoccherini, LuigiBorodin, AlexanderBrahms, JohannesBritten, BenjaminBrouwer, LeoBruch, MaxBruckner, AntonChopin, FrédéricCopland, AaronCorelli, ArcangeloCouperin, FrançoisDebussy, ClaudeDelibes, LeoDowland, JohnDvorák, AntonínElgar, EdwardFalla, Manuel deFauré, Gabriel

Franck, CésarGershwin, GeorgeGinastera, AlbertoGounod, CharlesGranados, EnriqueGrieg, EdvardHandel, George FridericHaydn, Franz JosephHindemith, PaulHolst, Gustav vonJoplin, ScottKhachaturian, AramKreisler, FritzLasso, Orlando diLauridsen, MortenLehár, FranzLiszt, FranzMahler, GustavMendelssohn-Bartholdy, FelixMessiaen, OlivierMonteverdi, ClaudioMozart, Wolfgang AmadeusMussorgsky, ModestOffenbach, JacquesOrff, CarlPachelbel, JohannPaganini, NiccolòPalestrina, Giovanni Pierluigi daPergolesi, Giovanni BattistaPiazzolla, AstorPoulenc, FrancisPres, Josquin desProkofiev, Sergei

Puccini, GiacomoPurcell, HenryPärt, ArvoRachmaninov, SergeiRavel, MauriceRimsky-Korsakov, NikolaiRossini, GioachinoRutter, JohnSaint-Saëns, CamilleSatie, EricScarlatti, DomenicoSchubert, FranzSchumann, RobertSchönberg, ArnoldScriabin, AlexanderShostakovich, DimitriSibelius, JeanSmetana, BedrichSor, FernandoSousa, John PhilipStrauss, Johann (jr)Strauss, Johann (sr.)Strauss, RichardStravinsky, IgorTchaikovsky, PeterTelemann, Georg PhilippTárrega, FranciscoVaughan Williams, RalphVerdi, GiuseppeVictoria, Tomás Luis deVilla-Lobos, HeitorVivaldi, AntonioWagner, RichardWeber, Carl Maria von

EL ROCK DE LA CARCEL

Ya está en nuestro repertorio.

Jailhouse Rock
Este es un temazo. El rock de la cárcel ha sido versionado en todas las épocas, por infinidad de músicos. Aquí tenéis una versión que hicieron The Blues Brothers (1980) y que fue incluida en la película "Granujas a todo ritmo" (te partes con ella). Con esta canción montan una escena final tremenda, en la cárcel claro. Fijaos en la sección de vientos que van haciendo un riff muy potente, lo que le da nuevos timbres a está cancion

musica

Toque de corneta militar que es ejecutado al amanecer en los cuarteles y campamentos con el que se anuncia el comienzo de los actos de servicio. El que en España usan los cuerpo montados es el siguiente:

EL JOROPO

VENEZUELA

El joropo es el baile y la música que identifica a esta tierra llena de trabajo y tesón. Complejo en su ejecución, es uno de los ritmos que más desconcierta a aquellos que han estudiado la música universal a escala académica y se considera uno de los El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado del fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva hasta ahorabailes a manos tomadas más vistosos y ricos en movimientos básicosEn casi toda la geografía nacional, el joropo puede observarse en sus múltiples formas de bailarlo y tocarlo. El joropo llanero, el tuyero y el oriental conforman el desglose de este pegajoso género que impacta a grandes y a pequeños. Sus instrumentos y ritmos varían de población en población, pero su pasión suele ser la misma.

Algunas versiones acerca del origen de la palabra Joropo relatan que proviene de "xarop", palabra árabe que significa jarabe. Se piensa además que el joropo proviene del viejo continente, pues posee formas y maneras afines al flamenco y a otros bailes andaluces. Esta semejanza se debe a la fusión cultural que se dio en Venezuela para la época de la colonización.

Los zapateos, las rápidas vueltas y las llamativas y complicadas figuras que los joroperos o bailadores hacen, van al compás de una música que desborda vida. Una vida que entre llanos y montañas ha sido la cuna de un género conocido por todos, pero entendido por pocos.

La intención que los bailadores expresan durante la ejecución del baile es el dominio general del hombre sobre la mujer. Las figuras y los zapateos le corresponde guiarlos a él, mientras que la mujer demuestra una fina habilidad para seguirlo.

Entre los instrumentos característicos del joropo se encuentran el cuatro, la bandola llanera, las maracas y el arpa llanera o central.


- DIFERENCIAS ENTRE CADA JOROPO -

- Joropo Llanero. Se baila y toca en Barinas, Portuguesa y Apure, entre otros. Es considerado como el más recio del grupo. Se caracteriza por zapateos fuertes del hombre y escobillados muy sutiles de la mujer. Los instrumentos típicos son el cuatro, la bandola llanera o el arpa llanera y las maracas.

- Joropo Tuyero o central. Se ejecuta en los llanos centrales del país. Es mucho más pausado y sus zapateos son menos fuertes, pero en el ámbito rítmico su complejidad aumenta, debido a que se superponen compases a distintos tiempos. El arpa tuyera, el cuatro y las maracas son quienes acompañan a los joroperos en cada fiesta.

- Joropo Oriental. Para la celebración de la Cruz de Mayo en el oriente del país, se acostumbra tocar joropos que a diferencia de los anteriores, dan mayor espacio al movimiento de caderas. Los bailadores dibujan un círculo que va girando en contra de las agujas del reloj, haciendo figuras preestablecidas por tradición. Este joropo entra en el grupo de manifestaciones colectivas.
Cantantes más conocido de este ritmo
Reinaldo Armas
El Carrao de Palmarito
Simón Díaz
Scarlet Linares
Reina Lucero
Cristina Maica
Eneas Perdomo
Freddy Salcedo
Luis Silva
Cholo Valderrama

Visite Venezuela

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Sello del tema Europa de 1985; el tema fue de música , y todos los paises europeos sacaron una serie de sellos con referencia a la música:

Este es de Malta .

FRANCESCO AZOPARDI: Compositor (1748-1809)

ELVIS EN FILATELIA.
Muchos paises han sacado sellos de Elvis como un reclamo para llenar un poco las arcas medio vacias de dinero. Normalmente los pauses del tercer mundo han visto un filón en la publicación de estos sellos. Hay mucha gente , como yo que somos adictos a estos sellos. Se revalorizan con bastante facilidad, pues están muy buscados.

Editado por José Luis

lo mejor del mundo :la música

Tablas básicas

Cabereca 1	Cabereca 2	Cabereca 3
Dato 1	Dato 2	Dato 3
Dato 4	Dato 5	Dato 6

IR A

http://bach2411111.blogcindario.com/2006/04/00127-beethoven.html

MAS SOBRE BACH- BEETHOVEN EN
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http://www.geocities.com/fcueto/Musica/LvBeethoven.htm
Beethoven
Ludwig van Beethoven (1770-1827) Se dice que la noche del 16 de diciembre de 1770 una tremenda tempestad se desencadenaba de las Siete Montañas y descargaba su furia sobre la ciudad de Bonn, (Alemania), a las orillas del Rhin; el viento helado azotaba las puertas y ventanas de las casas, en tanto que la lluvia caía pertinaz y torrencialmente. En esta habitación nació Beethoven el 16 de diciembre de 1770. La foto la tomé "clandestinamente" por lo que no pude alinear la cámara correctamente. En una pequeña bohardilla nacía un niño al que su padre, llamado Johann Beethoven, llevaría a bautizar al día siguiente a la iglesia de San Remigio, imponiéndole el nombre de Ludwig, mismo que tenía su abuelo. Su madre era Magdalena Keverich. Este niño desde pequeño mostró notables disposiciones para la música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo severamente cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba. Mi hermano y mi padre en el jardín de la casa donde nació Beethoven. En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano, y en 1781 lo llevó a una gira a Holanda, que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese; Neefe le hizo estudiar el "Clavecín bien temperado" de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi. En el invierno de 1786 visitó Viena, conoció a Wolfgang Amadeus Mozart de quien recibió algunas lecciones, y el cual dijo así a alguno de sus amigos: "Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". La enfermedad de su madre lo obligó a volver a Bonn, donde ella murió en 1787. Así escribía al Dr. Schade el 15 de septiembre de ese año: "Era tan buena conmigo, tan digna de ser amada, mi mejor amiga". Obligado a hacerse cargo de sus hermanos se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y a que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese disipada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables, sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, sintiendo un afecto especial por "Lorchen", (la gentil Eleonora, a quien dio clases de música, recibiendo en cambio conocimientos de literatura), que se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y con los cuales mantuvo durante toda su vida una estrecha amistad. Asimismo halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn, y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena, recomendándolo ampliamente para que pudiese abrirse camino. Madre de Beethoven Abuelo de Beethoven En 1792 dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría, el lugar de "nuestro padre el Rhin; mi patria, la hermosa región en donde yo vi la luz primera, siempre tan bella, tan clara delante de mis ojos, como cuando yo la dejé"; (Carta a Wegeler, 29 de junio de 1801), "con sus chopos envueltos por la bruma, su maleza, sus sauces, sus árboles frutales"... y sus "Siete Montañas azuladas que dibujan sobre el cielo sus perfiles atormentados, coronados por las esbeltas y bizarras siluetas de los viejos castillos en ruinas". (Romain, Rolland, Beethoven). Llegó a Viena en el mes de noviembre, con gran número de obras, (la primera escrita a los diez años), que publicó más tarde, después de haberlas revisado, o que refundió en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schenck, Salieri (composición vocal), Schuppanzigh (violín), Alberchtsberger y Aloys Föster (escritura de cuartetos y quintetos). Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero no fue sino hasta el 2 de abril de 1800, cuando se presentó ante el gran público presentando su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía. Alcanzó un éxito considerable. Sin embargo, ya Beethoven había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había sentido, añadía la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión. El mismo año escribió en su Diario Intimo: "¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero". Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad; conciencia de su valor; una tenacidad de férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, las cuerdas de sus semejantes. "Beethoven", ha escrito Aldoux Huxley, "enseñó a la música a palpitar con su pasión intelectual y espiritual". Y pudiera afirmarse que ya las obras escritas en aquellos días contienen el germen de la nueva aurora de la música: aparece el romanticismo más puro, y no el que "ha seguido palpitando desde entonces con la pasión de los hombres inferiores". Entre 1796 y 1800 compone mas de 90 obras, entre las que están la 1a sinfonía (además de la llamada "cero" o "Jena" de dudosa autenticidad), 3 conciertos para piano, seis cuartetos, el Septuor, variaciones, Sonatas (incluyendo la Pathetique), etc. Beethoven decía: "Vivo en medio de la música; en cuanto termino algo, comienzo otra cosa. En la forma que ahora escribo, hago o menudo tres o cuatro cosas a la vez". El genio afloraba con fuerza, aunque "ya el dolor había llegado a su puerta; se había apoderado de el para nunca mas dejarlo". Partitura Original de Beethoven Se señala el año de 1801, como el de la iniciación de lo que se ha llamado el segundo periodo de la obra de Beethoven. Etapa de su vida en que alternaba días felices, con los sufrimientos mas despiadados; las esperanzas mas sonrientes con los desengaños mas desalentadores; el optimismo y el pesimismo, todo ello dentro de la taladrante realidad de una sordera progresiva e incurable. De 1801 data su pasión por Giulietta Guicciardi, a quien inmortalizo con la dedicatoria de su Sonata "Quasi una fantasia", que será más tarde sobrellamada "Claro de Luna". Pero de este ultimo año, (6 de octubre) fue su "Testamento de Heiligenstadt", en el que declara: "La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me siento obligado a realizar. ¡Oh Dios, Tú miras desde lo alto en el fondo de mi corazón, y lo conoces, sabes que en él moran el amor a los demás y el deseo de hacerles el bien! Vosotros, hombres, si leéis un día esto, pensad que habéis sido injustos conmigo... hizo cuanto estaba a su alcance para ser admitido en el rango de los artistas y de los hombres de elección". "Al día siguiente de la violenta crisis de Heiligenstadt", escribe Edouard Herriot, "la 2a Sinfonía", ejecutada por primera vez el 5 de abril de 1803, "no traduce ninguna debilidad... las proporciones mismas de la obra, atestiguan el vigor de ese genio indomable que rehúsa sacrificar a las exigencias de la moda la abundancia y la originalidad de sus ideas". Este llamado segundo periodo, al que se le señala como límite el año de 1814, comprende la producción de cerca de 150 obras: incluye hasta la octava Sinfonía; en las sonatas para piano hasta la opus. 90; en los cuartetos hasta el XI opus 95; el concierto para violín, el 5o concierto para piano, la ópera "Fidelio", lieder, romanzas, tríos, etc. La 3a sinfonía estaba dedicada a Napoleón Bonaparte. Una anécdota, relatada por Fernando Ries, discípulo de Beethoven, dice así: "La sinfonía estaba sobre la mesa. La primera página contenía dos nombres: arriba, 'Bonaparte'; debajo, 'Beethoven'. Ni una palabra más. Ignoro si la laguna debía llenarse. Fui el primero que anunció al maestro la nueva de que Bonaparte se había proclamado emperador (18 de mayo de 1804). Enfurecido Beethoven, exclamó: "¡No es más que un hombre vulgar! ¡Sólo satisfará su ambición y como tantos otros hollará los derechos del hombre para ser un tirano!" Se dirigió hacia la mesa, arrancó la primera página del manuscrito y la arrojó al suelo. Después escribió un nuevo título: Sinfonía Eroica". En 1821, cuando murió Napoleón, Beethoven dijo: "Hace diecisiete años que compuse su oración fúnebre". Esta 3a sinfonía fue tocada por primera vez el 7 de abril de 1805. En ese mismo año estrenó su ópera Fidelio. En 1806 compuso la 4a sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundio, basado en un relato de dudosa autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa. De 1806 son los tres Cuartetos opus 59, el Concierto para Violín y la sonata "Appasionata". (Para un estudio de las sonatas de Beethoven, ver artículo por Manuel Alejandro) En 1807 compone la 5a Sinfonía, cuya primera ejecución tuvo lugar el 22 de diciembre de 1808, y que es, seguramente la más tocada en la actualidad. Aunque no es absolutamente seguro, dícese que Beethoven expreso del primer tema de esta obra: "Así llama el destino a nuestra puerta". Berlioz escribió de ella: "es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación... es su pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo..." En la misma fecha que la quinta, fue estrenada la sexta, llamada "Pastoral". Beethoven se encargó de poner los siguientes subtítulos a cada tiempo: Despertar de apacibles sentimientos al llegar al campo. Escena junto al arroyo Alegre reunión de campesinos Tempestad Canto de pastores. Alegres y agradecidos sentimientos después de la tempestad (Aunque él mismo aclara: "Expresión de sentimientos, mejor que pintura") Esta sinfonía da testimonio del amor que sentía hacia la naturaleza; escribió en uno de sus cuadernos íntimos en 1815: "Dios Todopoderoso, soy feliz en la selva donde cada árbol habla por ti". La 7a Sinfonía fue iniciada hacia fines de 1811 o principios de 1812: cuatro años que la separan de la 6a, pero en este intermedio compone obras tan importantes como el 5o concierto para piano "El Emperador", los cuartetos X y XI, la obertura "Egmont", las sonatas op. 78 y 81, etc. Esta 7a sinfonía fue calificada "como un milagro del genio", y Wagner la llamo "la apoteosis de la danza". La 8a sinfonía es una de las obras más juguetonas y alegres de Beethoven, pero revela una técnica magistral: desde el primero hasta el último compás corre por esta obra una gracia flexible, gallarda y ondulante que cobra agilidad en el último tiempo; mientras que en el "Allegretto scherzando" recuerda la invención del metrónomo, debida a Mälzel. En el lapso que hemos comentado la fama de Beethoven creció hasta su máximo. Cuando se efectuó el Congreso de Viena era el hombre más popular. Escribía a su amigo Amenda: "En tus cartas no necesitas poner más dirección que mi nombre" (Esto sin contar con que se cambiaba constantemente de casa). Era asistente habitual a los paseos del "Prater" y sus caminatas por lo que actualmente se llama "Sendero Beethoven" eran conocidas por todos. En 1815 fue honrado por Viena con la "ciudadanía honoraria". De 1811 data su último ensueño amoroso: cortejó a la bella cantante Amelia Sebald, que se casó más tarde con un consejero de Estado. En la vida amorosa de Beethoven se señalan, además de las anteriormente citadas: una "bonita y alegre rubia" por la que en su juventud sintió un amor "Wertheriano", Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler, documentos personales para ese fin, y el pedimento hecho a través de su amigo Gleichenstein al padre de Teresa y que recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada: "Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios". Bettina Brentano a quien el maestro conoció en 1810, y la cual llegó hasta el grado de hacer públicas dos cartas sin fecha de las que hasta ahora no se han encontrado los originales (no obstante que ella aseguraba que se encontraban entre su valiosa correspondencia como reliquias sagradas). A los 43 años renunció a su anhelo hogareño, no sin apurar antes la copa de la amargura, de la decepción y aún de la burla, aunque conservándose siempre en un plano de dignidad e idealismo. Konzerthalle en Augarten, Viena Datos acerca de su aspecto físico lo señalan así: "Era bajo, moreno, con el rostro achatado y picado de viruelas, la boca delicada, con el labio inferior saliente y hoyuelo profundo en el mentón; sonreía bondadosamente y había en su conversación, a menudo, un tono amable y alentador. En cambio su risa era desagradable, violenta y gesticulante, rápida" (Moscheles). Cuando se le sorprendía sentado al piano, "Los músculos de su rostro se le saltaban, sus venas se hinchaban, los ojos salvajes se hacían dos veces más terribles "(Klöber). "Sus ojos parecían que cambiaban de color: en ocasiones se veían grises, azules o verdes". : ¡Alegría! El más bello fulgor divino... Todos los hombres serán hermanos... ¡Un abrazo confunda al mundo entero! ¡Hermanos, sobre la bóveda estrellada debe morar un Padre amante!" Cuando llega a su clímax el "Adagio molto e cantabile" de la misma obra, (el tercer movimiento), el propio compositor ha de detener su vuelo para no llevarnos a la postración más aniquiladora después del camino que nos ha hecho recorrer para llegar a esas alturas raramente alcanzadas. En 1826, Beethoven fue operado para curarlo de hidropesía; no volvió a mejorarse. Cerca de las seis de la tarde del 26 de marzo de 1827, exhalaba su último aliento: en ese momento estallaba una violenta tempestad sobre la ciudad de Viena. Podría decirse, sin que queramos con esto recurrir a una metáfora vulgar, que el rayo que anunció su nacimiento, extendía, a su muerte, los truenos de su música inmortal. Más de veinte mil personas se reunieron para acompañarlo a su última morada. Grillpazer, al terminar la oración fúnebre, dijo: "Éste por quien llevamos luto, se encuentra desde ahora en adelante, entre los grandes de todos los tiempos. Recordemos esta hora y pensemos: estábamos allí cuando le enterraron, y, cuando él nos dejó, lloramos". powered by miarroba.com.
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(Filadelfia, Pennsylvania, 1927- Malibú, California, 1991)

El saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo, fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman.

Durante la década siguiente Stan Getz lideró sus propias formaciones tanto en Estados Unidos como en Europa y debió afrontar diversos problemas de salud y legales. A pesar del notable reconocimiento del que disfrutaba y que le permitia grabar junto a los más grandes del jazz, su fama llegaría al abordar, a principios de lo sesenta, el género de la bossa nova junto a músicos como Charlie Byrd o Joao Gilberto y la cantante Astrud Gilberto, con la cual grabaría una celebérrima versión The Girl fron Ipanema, que daría la vuelta al mundo en pleno éxito de esa música brasileña que grandes figuras , como el compositor Antonio Carlos Jobim , difundirian con enorme fortuna.

La bossa nova y sobre todo , la respuesta comercial obtenida, despertó el interés de numerosos músicos de jazz, pero Stan Getz se ha convertido en el paradigma de esa fusión.

Aunque ya le sería difícil evitar las peticiones del público que seguía viéndole como adaliz del jazz samba, Stan Getz supo reconducir su carrera a nuevos terrenos en los que , junto a músicos como Chik Corea, Gary Burton o Bill Evans , pudo dar muestras del talento y personalidad que le caracterizan.

DISCOGRAFIA

Anniversary (live at copenhagen) vol 1

Serenity (Live at Copenhage, vol. 2)

Una magnifica fiesta de cumpleaños que Getz celebró con esta excelente grabación recopilada en dos discos, para la que contó con un trio integrado por Kenny Barron, Rufus Reid y Victor Lewis. Espléndidos.

The Peacoks

Un disco excelente y repleto de sorpresas más que agradables que incluyen desde el piano de Jimmy Rowies al contrabajo de Buster Willians pasando por una intervención de Jon Hendricks.

Line For Lyons

Mano a mano gratificante de las dos figuras que habían aparecido como las grandes esperanzas blancas del jazz cool. Dos gatos viejos dando una buena muestra de su sabiduria.

Live at Montmartre Vol1

Live a Montmartre Vol 2.

Otro de los conciertos justamente délebres de Stan Getz, en el famoso club de jazz Montmartre de Copenhague, en 1977.

Stan Getz & Bill Evans

Uno de los discos que no deben faltar en una discoteca de Jazz . Una joya.

The Brothers

Los Four Brothers que hicieron temblar la orquesta de Woody Herman marcaron una época de la historia del jazz. Esta recopilación de temas, grabados entre 1948 y 1952, restituye parte de las razones de su celebridad.

The Girl Fron Ipanema, The Bossa Nova Years

Un estuche de cuatro compactos para los enamorados de la bossa nova.

Fuentes: la discoteca ideal del jazz. (Joan Riambau)

DE J: G: WALTHER (1732)
Las letras : B A C HBach (Johann Sebastian), hijo de Johann Ambrosius
Bach que fué músico de la corte y del municipio de Eisenach: nació en este lugar el 21 de marzo del año 1685; aprendió los primeros rudimentos en el clave de su hermano mayor , Johann Christoph Bach, antes organista y maestro de la escuela en Ohrdruf; fué nombrado organista, por primera vez, en el año 1703 en Arnstadt, , en la Iglesia Nueva, y en 1707 en Mühlhausen, en la Iglesia de S, Blas; en el año 1708 pasó a Weimar donde fué nombrado müsico de cámara de su Alteza y organista de la corte, y, en 1714, maestro de concierto; en 1717 director de orquesta de la corte de Koethen; y en 1723, después de la muerte de Kuhnau, director de música en Leipzig; también director de orquesta de la corte de Sajonia-Weissenfels. De sus excelentes obras para clave aparecieron, grabadas de cobre: en el año 1726, una Partita en Si bemol mayor, con el título " Clavier Uebung (trozos para ejecutar en el clave) cossistiendo en preludios,alemandas, correntes,sarabandas,gigas, minués etc.". Esta fué seguida por la 2ª, en Do menor; la 3ª en la menor; la 4ª, en Re mayor; la 5ª en Sol mayor; y la 6ª en Mi menor, con la cual concluye, probablemente, el opus. La familia Bach, según parece, es oriunda de Hungria, y todos los que han llevado este apellido, hasta donde se sabe, se han dedicado , preferentyemente, a la música, lo que tal vez viene del hecho que hasta las letras B A
C H son melodicas en su orden ( en su nomenclatura castellana : Si bemol, La , Do, Si, ). ( esta observación es un descubrimiento del Sr. Bach de Leipzig

Hay teclas negras y blancas.

Si tocas las teclas negras haces una ESCALA PENTATONICA. Esta escala ya la explicaré ,pues se usa mucho en la música moderna.

Asi suenan en el piano:

notastodas1.mid
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Si os dais cuenta hay notas que suenan igual, son notas con el mismo sonido pero diferente nota, se les llaman : notas enarmónicas.

Son 88 teclas las que tiene el piano moderno .Colores blancos y negros. 7 octavas.

do1-do2-do3-do4-do5-d6-do7

El Jazz

Andrés Saborío-Bejarano*

* Artista polifacético costarricense dedicado exclusivamente a la creación musical, pictórica y literaria. Comparte esta actividad con la de pianista acompañante de cantantes e instrumentistas. Licentia Docendi e integrante de la Corporación de Maestros del Colegio de Artes Plásticas, es miembro del Consejo Académico en Música, Catedrático de la U.A.C.A, profesor de piano, composición y Ciencia Musical en el Conservatorio de Castella y director del Estudio Privado de Enseñanza ArtísticaAdemás de concedérsele Premios Nacionales y Reconocimientos Internacionales, su nombre se incluye como compositor actual, en la sección Música de la Enciclopedia Océano: Costa Rica (2 tomos). También hay referencias suyas en un diccionario español sobre artistas músicos costarricenses y en catálogos de foros de compositores del Caribe.

El Jazz constituye una fraternidad completamente distinta... La improvisación posee su propio mundo, necesariamente libre y amplio, puesto que sólo así, en un tiempo imprecisamente delimitado, puede ser elaborada...
Igor Stravinsky
La palabra “JAZZ”, tiene su origen en distintas teorías y fue empleada por primera vez en Chicago en 1916. Se dice que procede de una palabra criolla que significa “apresurarse”, mientras que otras la derivan del francés jaser (charlar). Otros creen se trata de la abreviatura de Jasbo, patronímico de un músico negro.
Sousa sostenía que se trataba de un fin de revista. Las teorías son muchas, pero sin pruebas contundentes.
Lo que sí podemos verificar es que en 1619 una nave holandesa atracó en Jamestown, Virginia, desembarcando el primer contingente de veinte esclavos negros. El proceso esclavista duró casi dos siglos, llegando a la alarmante cifra de nueve millones de esclavos en países ricos económicamente hablando, como Holanda e Inglaterra, más adelante casi todos los países europeos entraron al comercio de esclavos, pues les proporcionaba cuantiosas ganancias monetarias. No fue sino hasta 1865 que la Guerra Civil culminó con la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos.
La música jazz tuvo su génesis entre los negros americanos, muchos de ellos provenientes de África, teniendo por cuna de nacimiento la gran ciudad de Nueva Orleans en el XIX y a principios del siglo XX. Afirma el antropólogo y musicógrafo Ernest Borneman que la música sincopada cristalizó alrededor de dicha ciudad por definidas razones sociales y económicas.
música popular
La música de los esclavos negros se caracterizaba por el predominio del ritmo y por las transiciones del canto al discurso, de la música instrumental al baile y del tono serio al jocoso.
Entre las danzas primitivas que practicaban los negros encontramos las llamadas “juba”, “bamboula”, “vodum”, “congo” y “calinda”. Algunas de estas danzas, bailadas por siglos en el África, constituían un desahogo a la tremenda situación sufrida por los esclavos.
La música y el baile eran muy importantes para los negros en las plantaciones americanas, llegando a asimilar con el tiempo los himnos y cánticos religiosos del blanco. Así, mientras el lado negro del jazz brota de la música africana primitiva, la línea de ascendencia del lado blanco puede trazarse hasta los himnos wesleyanos del resurgimiento metodista. Los elementos, tanto europeos como africanos, se fusionaron en el canto popular del negro americano, muy particularmente expresada en sus cantos de plantación, negros espirituales, los blues, los nigger minstrels, espectáculos éstos en que los blancos se caracterizaban de negros.
cantos de plantación: “work songs” (cantos de trabajo)
Estos cantos se hacían en las plantaciones por las cuadrillas de esclavos encadenados, eran sumamente rítmicos y empleaban un redoble repetido que acentuaba la fase regular de la tarea que realizaban en el momento.
negros espirituales
Los negros hallaron un gran consuelo en el cristianismo, estos cantos son genuinamente religiosos, estrechamente relacionados con los ritos africanos. Con frecuencia se desarrollan en forma de conversación medio improvisada entre un director y el coro de congregantes; habilidad de improvisación y el sincopado son los elementos más importantes del ritmo.
Posteriormente y por su calidad artística, los cánticos negros espirituales han sido interpretados por grandes cantantes solistas y coros en todas las salas de concierto del mundo.
gospel songs
Son cantos religiosos interpretados al menos por un cuarteto, destinado a los solistas evangélicos que relatan a los fieles un pasaje de las Sagradas Escrituras. Los principales Gospel Songs son entonados por cuatro mujeres.
boogie-woogies
Forma pianística particular del blues. Hacia principios de siglo, en los alrededores de Chicago, una forma pianística del blues de doce compases habría de ver la luz: el boogie-woogie.
Esta manera de tocar se caracteriza por el hecho de que el pianista, en lugar de tocar los acordes para sostener la melodía, desdobla con la mano izquierda el ritmo de cuatro tiempos en 8/8 creando bajos movimientos, contornos armónicos y cálida impresión rítmica.
Es un estilo pianístico primitivo que consiste en repetir con la mano derecha, sobre un tema de blues, figuras melódico-rítmicas muy simples, mientras la mano izquierda enuncia un ritmo característico (corchea puntilleada – semicorchea) y perpetuo.
grandes orquestas
A principio de siglo destacaron:
Duque Ellington y su orquesta,
Louis Armstrong y su orquesta,
Ella Fitzgerald, Sy Olivier y su orquesta,
Jazz Band de Bunk Johnson,
Bob Crosby y su orquesta,
King Oliver y su orquesta,
Gillespie y su orquesta.
. . .
blueS: (canción nostálgica; 1910- )
Tema del folklore negro-americano. Pequeños trozos de doce compases formados por tres frases de cuatro compases cada una, las dos primeras son idénticas entre sí, la tercera sirve como conclusión tanto melódica como dramática, lo que nos da la forma A.B.A.
Los blues constituyen los cimientos del jazz; los temas de los cantos blues procedían de los cantos de plantación y de los espirituales, mientras su forma musical, una escala mayor diatónica con adición de terceras y séptimas menores era debida exclusivamente al desconocimiento africano de la armonía europea.
Es en el blues donde hallamos el estilo vocal negro primitivo con sus famosas inflexiones. Estas consisten en bajar un medio tono del tercer grado y del séptimo grado de la escala, lo que crea un equívoco entre las tonalidades de mayor y menor, originando una ambigüedad sonora en cuanto que las notas naturales son conservadas a veces.
Armónicamente el blues ortodoxo se ejecuta así: Cuatro compases sobre la tónica (con descenso de medio tono del séptimo grado durante el último compás), dos compases sobre la subdominante, dos compases sobre la tónica, dos compases de séptima de dominante y, finalmente, se concluye con dos compases sobre la tónica.
Sobre este cuadro armónico casi inmutable, se ha constituído una cantidad de melodías diferentes e improvisado un sinnúmero de canciones.
nigger minstrels: (payasos negros)
Estos tuvieron su origen en 1820, con cantantes y músicos blancos, que representaban en el escenario escenas de cara negra. Su música estaba inspirada en las canciones y bailes sincopados de los negros, pero contenía también elementos de música europea, especialmente de canciones escocesas y trozos populares de ópera. Más adelante, los espectáculos cómicos ambulantes abarcaban una función que duraba toda la velada a base de canciones, chascarrillos y escenas sueltas. Los Minstrels Shows fueron popularísimos en los EE.UU. alrededor de 1850.
ragtime: (1890-1915)
El padre de este género musical es el pianista y compositor de color Scott Joplin (1868-1917).
El ragtime, que en un principio fue música basada en ritmos sin ninguna melodía apreciable, tuvo su origen en los intentos realizados por los pianistas negros de Nueva Orleans para copiar la destreza de las bandas de música y variar el acento del redoble fuerte al débil al interpretar las marchas.
Muchos compositores encontraron la inspiración para sus obras en las danzas de los negros, en las polcas, quadrilles, minués y valses que estaban en boga en Nueva Orleans, Memphis y Saint-Louis, añadiendo complicaciones rítmicas negroides típicas, en contraposición con el compás de dos por dos o de cuatro cuartos.
peculiaridades del ragtime
Un ritmo vivo e incesante, una relación casi exclusiva al piano, el toque acentuado del bajo independiente que cambia continuamente el acento, la animación debida a la permanente oposición entre los contrastes rítmicos de la parte alta y el tiempo bajo estricto o sincopado, son la clave de toda la música negra y, por tanto, del jazz.
La antigua música de ragtime se convirtió en acompañamiento de una melodía folklórica, resultando una composición en tres “copas”: En la inferior, un ritmo fijo casi de marcha, con un incansable redoble a contratiempo; sobre ésta un acompañamiento sincopado, animado, rítmico y cambiante y, sobre ambas, una sencilla melodía cantable.
nueva orleans
Por tener esta ciudad cosmopolita pocos prejuicios de raza, fueron muchos los negros que acudieron a Nueva Orleans luego de la abolición oficial de la esclavitud en 1865; unos se hicieron barberos y otros encontraron empleos como músicos, adquiriendo los instrumentos de viento que vendían los músicos militares blancos después de la guerra civil. Como nadie les enseñaba a hacerlo, tuvieron que averiguar por sí mismos la manera de tocar dichos instrumentos y como resultado, descubrieron originales formas de ejecutarlos.
las bandas
Con el tiempo fueron cada vez más numerosos los negros que encontraban empleo como músicos de baile en los centros nocturnos de Story Ville – Nueva Orleans.
La banda del cornetín negro Buddy Kid Bolden, ha sido considerada como la primera en formarse; interpretaban todos los números de ragtime, tocaban con un estilo totalmente nuevo música sin precedentes, la expresión de su nuevo humor y sus emociones surgían en una forma libre de la improvisación colectiva, acompañada por los más sorprendentes efectos polirrítmicos del contrapunto.
Otro de los principales precursores del jazz en Nueva Orleans fue el trompetista Manuel Pérez con su Banda Imperial; existieron también la Olympia Band, la Kid Ory’s Creole Band y la Eagle Band.
Famosos introductores del jazz en el período de Nueva Orleans son:
– Louis Armstrong – Trompetas: Aguda y normal o corneta y voz cantante.
– Sidney Bechet – Clarinete
– Honosé Dutrey – Trombón
– Jelly Roll Morton – Piano
La característica principal del estilo de esta música fue la improvisación colectiva, simultánea, generalmente de la corneta, el clarinete y el trombón, que eran llamados voces. La interpretación negra era siempre vocal, trataban de “cantar” con sus instrumentos, como en otro tiempo lo hicieron en las plantaciones. Con técnicas como la entonación variada, desde el suave glissando hasta el llamado “tono sucio”, en el cual la vibración de la lengua o suave paladeo produce un sonido áspero en la música.
La corneta era llamada “directora”, ya que el corneta en la mayoría de los casos era el director de la orquesta. El trombón se utilizaba como instrumento que acompañaba, pero la sección rítmica corriente consistía en contrabajo o saxófono con el posible aditamento de una guitarra o un banjo. El jazz improvisado de este tipo es llamado “hot”, en contraste con el straight jazz, que se interpreta según un arreglo escrito de antemano.
dixieland
Las orquestas blancas de Nueva Orleans trataron de imitar el jazz negro. La Ragtime Band de Jack Laine, generalmente considerado como padre de la música de jazz blanca, creó el estilo que lleva el nombre de Dixieland. Esta expresión se emplea para designar la música de jazz interpretada casi en el estilo de Nueva Orleans por músicos blancos.
la original dixieland jazz band:
Esta orquesta tocó en el café Schiller de Chicago durante 1915 y poco después se dio a conocer en Nueva York; constaba de trompeta, clarinete, trombón, piano y cajas; estaba dirigida por el trompeta “Nick”. En 1917 se hizo famosa al grabar en discos música de jazz.
chicago: “H-61”.

Al cerrar el gobierno de los EE.UU., los establecimientos de diversión en Story Ville – Nueva Orleans, el jazz quedó sin casa cuna, refugiándose entonces en la ciudad de Chicago, en el barrio negro llamado Black Belt, donde el jazz de color tuvo una enorme acogida, principalmente la Orquesta de King Olivier en 1917 y el “Chicago Jazz Style” de los blancos, así resultó la primera orquesta blanca de jazz New Orleans Rhythm Kings, de Paul Mares.
La Orquesta The Wolverines fue la que introdujo al jazz el saxofón como un nuevo instrumento.
También en las ciudades de Kansas City y Nueva York tuvo mucho auge el jazz, destacándose grandemente la Orquesta del “Duque” Ellington, creador de un estilo nuevo y seductor llamado jungle y siendo considerado como el compositor más famoso que haya producido el mundo del jazz.
algunos creadores importantes de jazz
En Nueva Orleans, Nick La Rocca, en Florencia, William Christopher (padre del blues), en Chicago, Benny Goodman (padre del swing), en Nueva York, Earl Powel, y en Kansas City, Charlie Parker.
el jazz en sala de conciertos, junto a la música clásica
El jazz sinfónico fue creado por Paul Whiteman; su mayor éxito se registra en 1924, cuando lanzó la Rhapsody in Blue de Gershwin (ver artículo “Recordando al genial George Gershwin, en el centenario de su natalicio”, del Acta Académica #22, Mayo 1998).
Composición de las bandas – jazz:
Las primeras bandas eran tríos o cuartetos (corneta, clarinete, trombón y piano). Los conjuntos instrumentales de las orquestas de Jazz – Band, se componían así: violines, saxofones, banjo, acordeón, cornetines, trombones, piano y una serie de instrumentos de percusión como redoblante , bombo, platillo, triángulo, gongos, campanillas, juego de timbres, pitos, bocinas de automóvil, castañuelas, xilófono, etc., todo cuanto puede utilizarse para marcar el ritmo, dentro de una gran variedad de matices y de efectos de sonoridad.
swing
Del verbo inglés to swing, balancear. Se empleó por primera vez este término en 1955, por la banda de swing del clarinetista Benny Goodman.
El swing es bailable y se distingue de la música dulce escrita de antemano, en que el swing da lugar a la libre improvisación. Goodman fue el que llevó a su máxima expresión este estilo de música.
Mundial exponente del “swing escrito”, por medio de magistrales sonoridades de su famosa orquesta popular bailable, fue el talentoso arreglista y trombonista americano Glenn Miller (1904 – 1944).
la bifurcación
Cuando Ellington y el estilo swing se hallaban en el cenit, el jazz puro encontró que seguía un camino doble. Por una parte había una nueva generación de músicos que deseaba desarrollar el estilo de jazz de la época, por otro lado, se realizó el intento de volver a las olvidadas fuentes del jazz, sobre todo a la música de Nueva Orleans. De esto surgió el grupo “Du Walters”, que modeló su agrupación instrumental y su repertorio sobre las antiguas orquestas de Nueva Orleans, produciéndose lo que se llamó: “El Resurgimiento de Nueva Orleans” y que recibió el apoyo, no sólo de Norteamérica, sino de todos los países interesados por el jazz.
Por otra parte, Bob Crosby, en contraste con las tendencias de otros directores blancos de orquesta, buscó su inspiración desde 1935 en el tradicional estilo Dixieland.
Al mismo tiempo han hecho su aparición varias tendencias nuevas, en parte traídas por una especie de conjunto de experiencias anteriores en el campo del jazz y en parte influidas por relativas tendencias de Sudamérica, la música cubana y la africana nativa.
el bop:
El be-bop, el re-bop y el bop sencillo, fueron iniciados durante la segunda guerra mundial por los precursores de la antigua generación del jazz. Aquí surgió un estilo con mayor libertad para los solistas, con armonías más osadas e imaginativas y ritmos más complicados, con el ritmo base en el bajo y variando constantemente las figuras rítmicas en los timbales, en el tambor tenor y en el tambor bajo. Ciertos pasajes casuales en estilo más refinado son bruscamente interrumpidos por pasajes rápidos y violentos con acentos inmotivados y sorprendentes.
Esta ruptura con la tradición, cuya semilla había sido sembrada durante el período del swing, fue proseguida por figuras nuevas como el saxofonista Charlie Parker. Al principio el bop era muy limitado, cada número consistía generalmente en un caso de introducción con el saxofón y la trompeta al unísono (melodía conocida), una serie de improvisaciones a solo y la conclusión con la recapitulación del coro.
En 1946, Gillespie empezó a grabar en discos con una orquesta mayor, siendo los números bastante diferentes, elaborados por adaptadores como Walter Fuller y John Lewis.
el cool
Como reacción contra el violento estilo del bop, algunos intérpretes se volvieron hacia una forma más fría de tocar. Aún en el bop existía la tendencia de que las frases de la melodía se arrastraran detrás de las pulsaciones del ritmo base, esta tendencia siguió en aumento al mismo tiempo que se variaba a un tono más sutil, casi libre del vibrato.
En la interpretación más equilibrada y refinada, las armonías se esparcen lo más ampliamente posible en el estilo cool (frío) y se explotan todas las posibilidades de propagar el acorde básico; el ritmo se construye alrededor del contrabajo en su más bajo registro, con un débil acompañamiento que se desliza desde las escobillas sobre el tambor tenor; Stan Getz es un exponente de primera categoría de este estilo.
el progresivo
Es una derivación, prolongación y ampliación de la música bop y cool con influencia hispanoamericana, en que se desarrollan hasta lo último de los efectos del sonido.
la aportación del jazz
La música seria ha de agradecer al jazz las evoluciones rítmicas, una concepción más libre de la tonalidad, el enriquecimiento armónico y una comprensión mucho mayor de las posibilidades de los instrumentos orquestales. Además, por primera vez en muchos años, el jazz ha hecho comprender y amar la polifonía a un gran sector del público. Ha hecho revivir el interés por la libre inspiración, despertando así el antiguo concepto del músico, no solo en cuanto a instrumentistas capaces de interpretar las notas que tienen delante, sino como verdaderos creadores en el arte de la improvisación.
músicos de jazz
Recocidos músicos de la “primera década” del jazz son: Thomas Turpin, Arthur Marshall y James Scott. De la “época moderna” del jazz, se encuentran Artie Mattews, Eubie Blake, Zez Confrey y Charles Luke. Y de la “década final”, mencionaré a Joseph Lamb.
la influencia del jazz
Ya en 1908, Claude Debussy utilizó derivación del ritmo de ragtime: El cakewalk, en Golliwogg Cake Walk de su Children´s Corner y dos años más tarde en Le Ménestrel.
Las visitas realizadas por las orquestas de jazz después de la primera guerra mundial, ocasionaron un considerable revuelo entre los músicos serios de todo el mundo.
En 1919, el director suizo Ernest Ansermet escribió emocionado sobre la “asombrosa perfección, el enorme gusto y el entusiasmo” con que tocaba la Southern Syncopated Orchestra y apuntó referente a los solos de clarinete de Rechet: “su forma esclaviza, es brusca, áspera, con una determinación abrupta y despiadada como la del Segundo Concierto de Brandenburgo de Bach”.
Stravinsky hace uso copioso de los ritmos del jazz.
De la influencia del jazz sobre la música moderna puede decirse que numerosos compositores reconocen su valor, acentuando principalmente la importancia de los blues y de los modos del jazz.
Entre otros compositores serios o de “influencia clásica”, que han experimentado con el jazz, se puede citar a Louis Moreau Gottschalk, Louis Chauvin, Robert Hampton, Erik Satie, Charles Ives,...
estructura del jazz
MELODÍA: Su base está en las escalas mayor y menor, escalas pentatónicas, escalas con terceras y séptimas añadidas.
ARMONIA: La mayoría del jazz utiliza los acordes mayores y menores corrientes en los blues y en la música primitiva de Nueva Orleans, en su mayoría sencillas terceras y acordes de séptimas.
RITMO: El ritmo básico predominante es el 4/4 (cuatro por cuatro), pero los cuatro tiempos han sido acentuados de diversas formas, a veces con igual énfasis en todos los tiempos, en otros casos acentuando el segundo y el cuarto tiempo.
También es corriente en este tipo de música, una cierta ritualidad africana, implícita en frases rítmicas utilizadas reiterativamente y de modo casi hipnótico.
FORMA: La forma del blues es en tres por cuatro, quizá como minué o vals, y el ragtime, con estructura de marcha, pero la mayoría de las composiciones de jazz consisten en 16 ó 32 compases, divididos en cuatro partes.
ORQUESTACIÓN: Consta de un sector dedicado a la melodía y otro destinado al ritmo. La instrumentación es variada y explota recursos poco convencionales. Además de instrumentos anotados anteriormente, se emplean el vibráfono y la familia entera de los saxofones.
Otros instrumentos utilizados son el órgano, el sintetizador y, además del fagot, el oboe, cuya entonación usual se modifica a semejanza de ciertos instrumentos árabes. Por otra parte, el violín ha tenido valiosos intérpretes jazzísticos, como el italiano Joe Venuti, los franceses Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty y Didier Lockwood, los americanos Stuff Smith y, en menor medida, Don ‘Sugarcare’ Harris; la tuba, tocada por hábiles instrumentistas, como Bill Barber, Howard Johnson, Joe Daley y Bob Stewart; el violonchelo, etc.
La música oriental ha aportado al jazz, entre algunos instrumentos chinos, el chyn y el jeng, que son salterios de 5 y 13 cuerdas.
CONTRAPUNTO: Creo que el elemento contrapuntístico es de lo más fascinante en el jazz. Cuando no hay destaque de parte solista, cada instrumento presenta su línea melódica “chocando y produciendo consonancias y disonancias”, con respecto a las líneas melódicas de los otros instrumentos músicos. Se ocasiona así una increíble polifonía, donde se explotan patrones tímbricos, melódicos, armónicos y rítmicos.

REGISTRO: Se refiere al rango o extensión general de todos los sonidos desde el extremo más grave hasta el más agudo.
LA TESITURA: Se refiere a todas las notas que puede tocar un instrumento determinado. Las notas más graves de la flauta por ejemplo, se encuentran en el registro intermedio.
EL AMBITO: es la extensión que abarcan todas las notas de una melodía, desde la más grave hasta la más aguda.

Arcangelo Corelli(Fusignano, Italia, 1653-Roma, 1713) Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio del cardenal Pietro Ottoboni.
Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental, con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada.
En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689); la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.
Al mismo tiempo, su desarrollo técnico del violín convirtió sus composiciones en el fundamento de la escuela violinística clásica, que hoy día mantiene aún su vigencia pedagógica. Corelli murió en la cumbre de la fama, y fue inhumado en el Panteón de Roma.http://www.carolinaclassical.com/paco/victamic.mid

EL ORGANUM


Se llama así la práctica de doblar una o varias veces el canto llano tradicional. Recibe varios nombres : Diatonía, discantus, contrapunctum, según que la voz añadida se contrajese a dos o que se añadiese una voz superior. La melodía descansaba sobre lo que se llamaba vox principalis, en tanto que la voz organalis discurría una quinta por debajo de aquélla. El ejemplo siguiente , tomado del Música Enchiriadis, del siglo X, nos muestra claramente lo que quiero decir. El canto llano está confiado al tenor agudo como vox principalis, con su transposición a su quinta inferior, llamado intervalo justo porque a él se acomoda muy bien la voz humana, a cargo del bajo , llamada vox organalis. Si estas dos voces se doblan ahora en octava, la principal hacia abajo por un bajo y la organalis por una voz alta, tenemos ya el ejemplo de una composición porlifónica a cuatro voces.


Santiago de Compostela y San Marcial, de Limoges, dentros importantes de peregrinación en Europa en la época medieval, tuvieron sus grandes escuelas de Música, así como otras grandes abadías europeas: St. Gallesn, París, Metz, Cluny.... El Congaudent Catolici de la catedral de Santiago es la pieza a tres voces más antigua de Europa, o por lo menos, la más antigua de las que se conocen.
La más importante colección de organa además de los indicados, es el Tropario de Winchester, del siglo XI, con 164 composiciones ( alleluias, tractus, kiries y glorias) y cuyo estilo se difunde por todos los monasterios principales de Europa.

Este método se dirige a los pianistas y teclistas que quieran tener conocimientos en el tema y sobre como tocar.
Hay una armonía básica que yo la iré explicando en mi blog. Luego se estudian los acorde de séptima y su uso.
En mi curso de piano iré poco a poco con los acordes: primero las triadas que son acordes de tres notas, luego las cuatriadas que son acordes de cuatro notas de ahi vienen los acorde de séptima.

Es un libro sencillo en el que se practican bastante los acorde de séptima, con varios ritmos.
Además lle va u cd que podrás tocar el piano con otros instrumentos de acompañamiento.
Lo encontraras en tiendas especializadas de música de jazz, si no lo tienen les dices que te lo pidan .
En internet pinchas partituras y te saldran tiendas que lo venden tambien.
Lo recomiendo para los que empiezan.

FRANCISCO "ESE HOMBRE"



REBOLLONES (BUENA EPOCA ES SEDILES)



LA TORDILLA . QUE TIEMPOS AQUELLOS



HACE 50 AÑOS JOSELUIS Y SU ABUELO



QUE CAZA .CUANTAACAZA HABIA

Ejercicio para estudiar poco a poco. En do mayor . No hay sostenidos ni bemoles en la armadura.

Lo haré despacio. Manos separadas. Juntaré las manos luego despacio. Iré aumentando la velocidad.

Repasaré la escala de do : do,re,mi,fa,sol,la,si,do
Repasaré triada de do : do,mi,sol (Arpegios).

Cuatriada de do : do,mi,sol,si: el si el séptimo grado de la escala. Es un acorde de mayor séptima.

Repasar teoria musical: triadas, cuatriadas.

Seguiré repasando los ejercicios anteriores.
Seguiré con la tonalidad de re mayor : dos sostenidos en la armadura fa# y do#.

Instrumento de viento con depósito de aire, perteneciente a la familia de las cornamusas. Su timbre es parecido al oboe, aunque más agrio i chillón. Consta de un tubo de insuflacción o portaviento, por el que, a traves de una válvula que se abre de fuera adentro, se hace penetrar el aire en el depósitoen el cual están enclavados dos caramillos provistos en su extremo inferior de lengüetas de caña; estos caramillos o pequeños oboes denomínanse grande y pequeño bordón, y en algunas provincias españolas ronconesy suenan a la octava uno de otros; a veces a la quinta y a la tónica. Otro tubo agujereado facilita la obtención de las notas al ejecutante, mediante la aplicación de los dedos tapando y destapando los agujeros. Para que el aire del depósito salga por los bordones el gaitero aprieta la bolsa con el codo. Los bordones o tudeles están ajustados al depósito de aire de manera que puedan acotarse o alargarse a voluntad del ejecutantepara ser puestos a tono entre si o con otros instrumentos. El tubo agujereado o caramillo, llamado gralla en Mallorca, lleva el canto, y los dos bordones el acompañamiento en forma de pedal continuo. El origen de la gaita se remonta a lejana antigüedad, pues era conocida, no sólo por los romanos, sino tambien por algunos pueblos anteriores a éstos en Asia, y por los celtas y escandinavos en el oeste y norte de Europa. En Escocia e Irlanda la gaita ha pasado a ser un instrumento nacional, y en la baja Bretaña y en algunas provincias españolas , especialmente en Galicia y Asturias, anima típicamente con sus sones las fiestas populares. En Italia , el becco potacci, y en Francia (Bretaña) el biniou y la chavrette son variantes de la gaita.En Cataluña se le da el nombre de cornamusa, sac de gemecs, criatura verda y coixinera, por el color del paño otela que cubre el pellejo. Grileira: variedad de gaita gallega afinada en re. Salamanquina: instrumento de viento, popular en Salamanca, y distinto, no obstante su nombre, de la gaita. Consiste en un tubo de madera, con una boquilla cortada en bisel y guarnecida de asta en la parte superior. Tiene tan solo tres agujeros , y, gracias a los armónicos , que se obtienen quinteando, se pueden ejecutar en ella todas las notas de la escala diatónica.


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Los himnos:
Los himnos compuestos en un principio como réplicas a las canciones de los herejes, contenidos en el antifonario romano, surgieron unas veces adaptando textos de carácter sagrado a melodías profanas; otras, eran formas poéticas acomodadas al canto: el poeta Bardasano y su hijo Armonios, en tiempo de Marco Aurelio, escribieron unas cantinelas sobre unos textos en verso, de gran aceptación en las comunidades siriacas que perduraron hasta el siglo IV. Los obispos de aquellas regiones, queriendo combatir tales cantos , comprendieron que la mejor forma de hacerlo era componer otros que suplantaron a los profanos.
El mismo San Efrén (320-379) compuso alguno de estos himnos usando la misma música de Armonios. San Gregorio Nacianceno imitó este ejemplo.
A través del obispo Hilario de Potiers (367) de las Galias, la práctica pasó a occidente . Se trata de textos en forma estrófica, en latín acentuado, en un lenguaje intermedio entre prosa y verso.
Ante saecula qui mánens
semperque nate
semper ut est pater

El verdadero creador de los Himnos de la iglesia de occidente fue San Ambrosio , arzobispo de Milán (340-397). Con la dulzura , apta por su sencilled para convertirse pronto en música profana, hizo auténticas creaciones que alcanzaron extraordinaria difusión y que San Agustin en su época todavía las cita.
Los himnos conpuestos por San Ambrosio o sus ayudantes no tienen ya ningún gusto helénico, dados sus sentidos religioso y poético, pero las fórmulas por él empleadas están en conexión con las música de la antigüedad pagana. Aunque la práctica de la iglesia las haya identificado con las fiestas de la Navidad y de la Pascua, no estan sujetas a ningún tipo de conexión exclusivo con el texto. Todas estas melodías tuvieron una amplia difusión en occidente, aunque la liturgia romana no las habia aceptado en pleno siglo XIII.. Expresión de esta sencillez en los himnos anbrosianos son los que todavia hoy existen en la iglesia católica: Pange lingua, de Venancio Fortunato y el Ut queant laxis, de Pablo Diácono.


LÁS ANTIFONAS
Las antifonas son composiciones musicales pensadas para los servicios religiosos . Son cantinelas entonadas por el cantor que de esta forma da el tono al resto del coro; se trata, pues, de una especie de diapason. Una vez entonada por el cantor la antífona, el coro, dividido en dos grupos, canta el salmo. Al final todos cantan la primitiva antífona. El esque seria como sigue:
A) Antifona (entonada por el cantor)
B) Salmo cantado (por los dos coros)
C) Antifona (repetida esta vez por todos).
Se consigue de esta manera un esbozo de forma, que vino exigido por la falta de instrumentos musicales (como el órgano hoy) que pudieran meter en tono a los cantores.
Con el tiempo, esta antífona, que muchas veces solo fue la palabra alleluia, adquirió importancia pos si misma y sus melismas con una vocal sirvieron para cierta emancipación de las palabra.
Este tipo de canto antifónico comenzó a practicarse en la iglesia de Antioquia y de allí pasó a la liturgia ambrosiana de Milán. Al contrario que los himnos, este tipo de canto fue acogido por Roma , y ya en los tiempos de Celestino I (422-432) se practicaba de manera habitual. La sede de la incipiente escuela musical romana se afincó en San Juan y San Pablo y éste es el primer conato de la Schola papal.
La influencia del mundo helénico a través de la simbologia de los pitagóricos tuvo su decisiva importancia en los modos que el canto gregoriano aceptó y que incluso hace referencia a ellos: dorio,hipodorio, frigio, hipofrigio, lidio, hipolidio, misolidio, hipomisolidio, , son una constante referencia a aquella cultura que tanto desentraño la investigación musical.
AMPLIARCANTO GREGORIANO
SAN EFREN
SAN AMBROSIO
ALLELUIAS



PABLO DIACONO

Pablo el Diácono


(Paulus Diaconus; también llamado Casinensis, Levita, y Warnefridi).

Historiador, nacido en Friuli, aproximadamente en el año 720; murió el 13 de abril, probablemente del 799. Era descendiente de una familia Lombarda noble, y no es desconocido que fue educado en la corte del Rey Rachis en Pavia, bajo la dirección de Flavianus el humanista. En el 763 lo encontramos en la corte del Duque de Archis en Benevento, luego del colapso del reino Lombardo, como monje en el monasterio de Monte Casino, y en el 782 en la suite de Carlomagno, de quien obtuvo, por medios de una elegía la amnistía de un hermano tomado prisionero en el 776, como consecuencia de la insurrección de Friuli. Después del 787 estuvo de nuevo en Monte Casino, donde con toda seguridad murió. Su primera obra literaria, evidentemente escrita mientras que aún estaba en Benevento, y hecha por petición de la Duquesa Adelperga, fue la “Historia Romana”, una versión ampliada y mejorada de la historia Romana de Eutropius, cuya labor él continuó independientemente en Libros XI al XVI, hasta el tiempo de Justiniano. Esta compilación, ahora de ningún valor, pero que durante la Edad Media se difundió en muchas ediciones manuscritas y que fue frecuentemente consultada, fue editada con el trabajo de Eutropius por Droysen en “Mon. Germ. Hist.: Auct. Antiq. II (1879), 4-2224. Además, en la instancia de Angilram, Obispo de Metz, compiló una historia de los obispos de Metz “Liber de episcopis Mettensibus o Liber de ordine et numero episcoporum in civitate Mettensi, extendiéndose al 766, en el cual da un importante recuento de la familia y antecesores de Carlomagno, especialmente de Arnulfo (P. L., XCV, 699-722).

La más importante obra histórica que nos ha llegado de su pluma es la historia de los Lombardos, “Historia gentis Langobardorum. Libri VI”, la mejor de la varias ediciones de esta obra es la de Bethman y Waitz en Mon. Germ. Historia: Escrito. Rerum Langobardarum (1878), 45-187; escuela ed. (Hannover, 1878); Ger. tr. Abel (Berlin, 1849; segunda, Lepzig, 1878); Faubert (Paris, 1603); Viviani (Udine, 1826). No obstante los muchos defectos, especialmente en la cronología, la obra incompleta, abarcando solo el periodo entre el 568 y el 744, es aún de gran importancia, mostrando descaro, con su estilo lúcido y su dicción simple los factores más importantes, y preservando para nosotros muchos motos de la antigüedad y tradiciones populares, repletas con un interés entusiasta en las cambiantes fortunas de la gente Lombarda. Es evidente que esta obra haya estado en constante uso hasta el siglo quince, debido a las numerosas copias manuscritas, y continuaciones. En adición a estas obras históricas, Paulus también escribió un comentario acerca de la Regla de San Benedicto, y una ampliamente usada colección de homilías tituladas “Homiliarium”, las cuales han sido conservadas en forma revisada. Varias cartas, epitafios, y poemas aún existen y fueron editados por Dümmler en “Mon. Germ. Historia: Poetate lat. Aevi Carolini”, 1, 1881.
Fuente : historia ,autores de la iglesia.

lo mejor del mundo : la musica: 4.TEORIA MUSICAL: EL COMPAS

Un estudio cientifico revela la importancia de la música
El estudio desprende que es tan importante como comer o respirar

[Universidad de Mexico] Uno de los retos del filósofo y musicólogo Luc Delannoy consiste en ''demostrar científicamente que la música es indispensable para la sobrevivencia del ser humano. Tanto como respirar y comer". Para ello, desde hace 15 años se adentró en el estudio y la aplicación de las neurociencias, en específico de la neuromusicología, campo que permite entender cómo funciona el aprendizaje y proponer métodos de enseñanza distintos, así como evitar problemas físicos, motores o neurológicos.

Bonito sello del órgano de St. Nicolas en Francia. (Wasquehal). Sello de 4 francos. del año 1991.



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CALAMARO: Es un privilegio emocionarse con la música.


El argentino evoca a Gardel y a Piazzolla en Tinta Roja.

Grabando tuvimos momentos de emoción intensa, de tener que imprimir con pudor lágrimas de varón.....
No siempre pasa, pero es un privilegio emocionarse todavia con la música. Lo decia ayer Andrés Calamaro en relación con, y durante la presentación de, su ultimo trabajo, Tinta Roja. Un disco donde no usamos mucho la técnica vocal, pero que traté de cantar don respeto. Y no es para menos. Porque el que fuera líder de los Rodriguez se atreve una vez más, después de haber experimentado el el cantante (2004) , con tangos. No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos eligió a nosotros, bromea Calamaro respecto al contenido. Es por eso que no incluye tangos cualesquiera (el más viejop es de los años veinte) y canta, puestos a seleccionar, a los mismisimos Carlos Gardel y Astor Piazzolla, El sur, El día que me quieras, Mano a mano, Como dos extraños, y Melodía de arrabal son, entre otros, algunos de los inolvidables tango incluidos en un CD que desde ayer se puede encontrar en las tiendas y que, por supuesto, tambien recoge el tema que le da titulo: Tinta Roja.

Esto si que nadie espere encontrarse tango en estado puro. Es más , lo interesante de este disco es ver si va a ser de tango, de rck, de flamenco o de las tres cosas a la vez, bromea Calamaro. Porque mientras por un lado evoca a grandes tangueros de todos los tiempos, por otro incluye la guitarra flamenca de Niño Josele y la voz de Montse Cortés. Finalmente, como no podía ser de otra manera tratandose de Calamaro, el rock está en todas partes, como la televisión, incluso está en este disco, asevera. Y garantiza además, que su relación con este género lejos de estar muerta, es de padre e hijo, o de hermanos. De hecho, mantiene : Nunca dejé el rock, sospecho que es lo único que sé tocar.

Ana lobo " metro, spain.
Escuchar el disco

Rosca

Baile popular español propio y muy celebrada entre la gente charra en la región de Slamanca. Se acostumbra bailar en fiestas públicas señaladas y en fiestas intimas como bodas, bautizos, aniversarios, en las que se sortea entre el público o entre los asistentes una rosca (pastel de hijaldre , mazapan, etc.) Esta danza la ejecutan una pareja, hombre y nujer, buenos bailarines , haciéndolo alrededor de la mesa sobre la cual es colocada la rosca que ha de ser objeto del sorteo.

Triada Mib mayor, escala Mib mayor , primer grado.

Pianista alemana, hija de Johann y hermana de Wolfgang, y llamada también Nannerl. Fue una ejecutante de gran talento, y acompañó a su hermano en sus primero viajes artísticos. Ambos se tenían un gran afecto , que duró toda su vida . Casó con el Barón Von Berchtold , y al morir éste, ejerció de profesora de piano. En 1820 quedó ciega. Nació y murió en Salzburgo (1751-1829)

Editado por José Luis.

Britten

Compositor inglés, discípulo de John Ireland, A. Benjamin y Fr. Bridge.Se han dado audiciones de sus obras en Florencia, Barcelona, Londres y Salzburgo. Estudió en el Royal College of music de Londres. Ha compuesto música para peliculas, para la escena y para la radio. De la extensa lista de sus obras publicadas hay que mencionar : Sinfonietta para orquesta de cámara; Phantasy para oboe, violin, viola y violoncelo; A boy was born, variaciones para coro; Soirées musicales para orquesta; Symple Symphony para orquesta de cuerda; Holiday tales, suite para piano; Friday afternoon, canciones escolares; Kermesse canadiense, para instrumentos de viento, percusión y arpa;Illuminations para canto y orquesta; Our hunting fathers, ciclo sinfónico para soprano y orquesta; Variations on thema of Frank Bridge; On this island, canciones; Te Deum, para coro y órgano; musica incidentalpara The ascent of F-6;Ballad of heroes, para tenor (o soprano) solo, coro y orquesta; Paul Bunyant y the rope of Lucrecia,óperas; Sinfonia da Requiem, Scottish ballads
para piano. Entre sus últimas obras estrenadas la más importante es la ópera Peter Grimes (1945) . Nació en Lowestoft en 1913 (Gran Bretaña) . Murió el 4 diciembre de 1976 en Aldeburgo.

musica

Instrumento de viento, de madera, con tubo cilíndrico y lengüeta simple. Se admite generalmente que fué inventado hacia 1670-1700 po Donner, de Nuremberg , como un perfeccionamiento del caramillo. Sin embargo Mattheson lo desconocía todavía en 1713. Walther, en 1732, hace constar que desde lejos suena como una trompeta. En 1759 son mencionados en Francfort dos tocadores de clarinete. En 1749 y 1751, Rameau puso partes de clarineteen la orquesta de Zoroastro y de Acanto y Cefisa.. En el Concert Spirituel de París intervienen clarinetes desde 1754 en las sinfonías de Ruggi, Schencker y Stamitz. Este último los introdujo en Mannheim, en 1758. En esta época se trataban las partes de clarinetes como partes de oboe, y se las designa algunas veces con el nombre de clarini, que se presta a confusiones. Hacia 1770 , se separó el sentido de estas dos palabrasy la música especial para clarinete solo o clarinete y orquesta apareció claramente definida. Este progreso coincidió con el perfeccionamiento del instrumento, que no llevaba al principio más que dos llaves y fué provisto de otra más hacia 1760. Su construción, en esta época estaba todavia sujeta a diversidades de forma y de dimensiones. Se construía corrientemente en boj, y algunas veces en ébano, de diversos tonos, con cuerpos de recambio. Los clarinetes del constructor Amlingue , de París (1782), tienen 5, 6 ó 7 llaves. Se atribulle al virtuoso Iwan Müller la invención del clarinete de 13 llaves (1811) que permitía tocar en diferentes tonos sin necesidad de cuerpos de recambio. Aplicándole el sistema Boehm, que lleva como en la flauta un gran número de llaves y de anillos móviles, Klosé reformó la digitación del clarinete (1843). El número de modelos existentes de este instrumento alcanza a unos quince. Se les clasifica en pequeños clarinetes, que constituyen el soprano agudo de la familia construidos en la bemol,fa, mi bemol y re; el tipo en mi bemol es el que forma parte de las bandas militares; clarinetes ordinarios, que equivalen al soprano y se construyen de do, si, si bemol y la; el modelo en si, empleado por Mozart en una de sus obras, ha caido en desuso hace mucho tiempo; el modelo en do tiende a desaparecer de la orquesta sinfónica, en la que subsisten regularmente los clarinetes en si bemol y la
; el primero de sonoridd brillante, es el instrumento de los virtuosos; el clarinete en la posee una suavidad incomparable (Gevaert), una incomparable nobleza (Widor); clarinete alto en fa y en mi bemol, llamado en Francia cor de basset, por derivación de su nombre alemán Basset-horn. Se dice que fue inventado en Baviera, en 1770; su timbre grave y dulce constrasta con el de los clarinetes ordinarios; clarinete bajo en si bemol y la, inventado , según unos, por el alemán Greuser (1793), y según otros por el italiano Papalini. A. Sax , hacia 1836, consiguió que fuese adoptado un model que llevaba 21 llaves sobre un instrumento de boj; pero su ensayo de clarinete bordón o clarinete contrabajo que sonaba una octava más baja que el clarinete bajo, no logró imponerse, como tampoco el de Fontaine-Besson, que propuso la creación de clarinetes contrabajosprovistos de un dispositivo de embocadura y terminados por un tubo de metal, cónico y acodillado; el clarinete de amor, del que se conservan algunos modelos del siglo XVIII en los museos, era un tipo intermedio entre el clarinete ordinario y el clarinete alto.La parte de clarinete en todas estas variedades se escribe en do. La extensión de este instrumento se divide en tres registros, llamado agudo, medio y chalumeau. El clarinete en do, tomado como tipo comparativo, da cuatro octavas y una cuarta , que suenan y escriben en notas reales.
La escala es cromática. El clarinete alto o cor de basset tiene el mismo ambitus que el clarinete en do, una séptima más baja. Debido a su taladro cilíndrico, el clarinete no octavea, sino que quintea, es decir, que para producir sonidos armónicos salta a la duodécima de la nota fundamental o dobla la quinta. En el clarinete en do, los sonidos se producen, como tercer armónico, a partir del si natural, clave de sol, y los últimos, en el agudo, dificiles de dar como armónicos 5º y 9º. Este instrumento se presta a la ejecución de lineas melódicas rápidas, escalas cromáticas, trinos, arpegios, baterias, notas repetidas, etc. Alcanza los matices de más delicada entensidad y los contrastes más patentes. Mozart fue el primer compositor que empleó el clarinete aprovachando todos sus recursos. En sus obras de música de cámara destacan especialmente un adagio para dos clarinetes y tres cors de basset (clarinetes altos) (1782) y un quinteto en la para clarinetes e instrumentos de cuerda, escrito para el clarinetista Stadler /1789), cuyo larghetto , por lo menos, es universsalmente célebre. Su Sinfonia en mi bemol, en la que estan ausentes los oboes, brinda un papel interesante a los clarinetes. Beethoven no escribió casi ninguna obra para orquesta en que no figurasen.
Weber demostró una predilección por este instrumento. Berlioz, que describía su timbre como la voz del amor heroico lo eligió para expresar el dolor de Andrómaca ante la tumba de Héctor, en la caida de Troya (1856). Wagner empleó casi todos los tipos de clarinetey les hizo a menudo interpretar sus temas más penetrantes. Las obras de los maestros rusos , y especialmente las de Rimsky-Korsakov, ofrecen numerosos ejemplos del empleo de los diversos de clarinetes
En la música de cámara de los compositores de finales del siglo XIX, merecen recordarse de un modo especial el Triopara piano, clarinete y violoncello de V. d´Indy op. 29 (1987), y el Quinteto de Brahms para clarinete e instrumentos de cuerda op. 115 (1892) . Los clarinetes empleados por masas desempeñan actualmente el papel de los violines en las orquestas de instrumentos de viento militares o civiles. Para dichas orquestas se construyen generalmente clarinetes de cobre. Entre los arreglos que componen el repertorio de estas bandas hay algunos verdaderamente logrados y que representan un alarde de técnica en la instrumentación, como el famoso Vals de Chopin para 24 clarinetes. Merecen citarse elogiosamente , en este sentido las adptaciones realizadas para la Banda Munipal de Barcelona, por el maestro Juan Lamotte de Grignon. Han sido publicados diversos métodos para clarinetepor Lefèbre (1802), Venderhagen , Baermann, Klosé, Berr (1836).... Los tratados de Instrumentación de Gevaert (2ª edición) y de Widor (4ª edición 1910) contienen cuadros con gráficos de notas indicando la extensión de cada variedad de clarinete de la concordancia de su notación en do con sonidos reales y de las fórmulas de trinos que les son accesibles.


Fuentes : diccionario de la música , Michel Brenet. Iberia.

Instrumento de música de una sola cuerda a modo de rabel.

Instrumento que dió paso al clavicordio y luego al piano.

el trino:

Modificación de un tema o frase musical para presentarlos bajo aspecto diferente. El origen de la variación se encuentra en las composiciones de la Edad Media, desde la época gregoriana, en que las melodias litúrgicas , aun los jubili de los versiculos vocalizados, se presentan bajo formas diferentes , según la frase, la palabra que revisten, la fiesta que se celebra. Otros musicólogos han mencionado su existencia en las composiciones polifónicas de la primera época; en todos los casos, las misas de Du Fay, en el siglo XV, ofrecen el primer empleo de una forma cíclica que es uno de los diversos aspectos de la variaciónde un motivo, tomado de un tema ya existente con anterioridad. En el siglo XVI , la forma del tema variado, en variaciones sucesivas que forman otras tantas estrofas, , es cultivado por los maestros polifonistas en la composición del coral; Caude el Joven ...
Los instrumentistasse apoderan de este principio y lo apropian a la valoración del virtuosismo. La variación instrumental ya existía , pues, en el siglo XVI. W. Bird escribió en 1591 unas series de variaciones para virginal, sobre melodías populares entonces en Inglaterra. Antes que él, el organista español Antonio de Cabezón, maestro de capilla de Carlos V, fallecido en 1566, habia escrito bajo el título de diferencias, varias series de variaciones sobre melodías que su titulo designaba, y que se publicaron como obras póstumas en 1578. Antes de Cabezón se encuentran variaciones en los libros de laúd españoles, especialmente en el de Valderrábano 1547. Una obra del alemán Paul Peurl (1611)) ofrece el más antiguo o uno de los más antiguos ejemplos de la suite instrumenttal construida sobre un solo tema, variado de diferentes maneras. En Frescobaldi, el arte de la variación temática está ya muy desarrollado. En la Canzone número 3 de su segundo libro de Toccatte (1637), se le ve exponer un tema en 4/4 , y después de 14 compases, producirlo de nuevo en 3/4, y luego repetirlo en 4/4 con un contratema más rápido , y pasar seguidamente a 6/4 para una variación del tema y terminar con una brillante peroración. Además en un ricercar de sus Fiori musicali(1635) , Frescobaldi se complace en hacer reaparecer un tema en varios tonos sucesivamente.Pero en sus Partite ( a partir de 1614), ya escribe variaciones reales, y la partida sobre Romanesca, entre otras presenta catorce brillantes variaciones sobre el tema de esta danza. Una courante del organista belga Peter Cornet (1625) se presenta con variaciones en un manuscrito publicado por Guilmant. En la segunda mitad del siglo XVII existen simultáneamente dos tipos de variaciones : las doubles, o disminuciones, que, como su nombre indica, bordan el tema palabra por palabra, envolviéndolo con rasgos y notas de paso, en que los valores disminuidos se precipitan de estrofa en estrofa. El ejemplo más conocido parece ser la melodía en mi mayor del primer libro de obras para clavecín de Haendel (edic. 1720) , a la que se da el nombre de The harmonious blacksmith.Las melodías con segundos couplets en disminución de Michel Lambert, publicadas entre 1661 y 1689, representan el mismo género de variación en la música vocal francesa.Esta forma de variaciónfue explotada a fines del siglo XVIII por gran número de autores sin talento: Gelinek y otrosgozaban entonces del favor de los aficionados, que encontraban en ella éxitos fáciles. Los cantantes italianos de los siglos XVII y XVIII se convertían , con sus procedimientos de variación, en substitutos de los compositores. Se juzgaba de su talento por la fecundidad de su imaginación en el procedimeinto de la variación. Entre los antiguos dijo Tosi en 1723, los mejores artistas se comprometían a introducir cambios, en cada velada, no solo en las melodías patéticas, sino en algunos allegros de las óperas que cantaban. Si los cantantes no conocían el arte de variar las melodías , no se podía apreciar la capacidad de su inteligencia; por la calidad de las variaciones se conocía fácilmente cuál , de entre dos cantantes , era el mejor. A. Poglietti dedicó al emperador Leopoldo I, en 1663, una serie de 23 variaciones sobre una melodía alemana relativa a la edad de S. M., que cumplió veintitrés años en aquella fecha.

La situación creada por la práctica musical a varias voces hace que las especulaciones teóricas se orienten hacia aspectos muy precisos. Mientras que la música es monódica, basta con que alguien indique mediante un gesto la marcha de la melodia que todos cantan por igual ; pero en la música polifónica, en el que se cantan al mismo tiempo melodías diferentes, es necesario saber con exactitud cuánto dura cada nota para que las distintas voces coincidan en los movimientos previstos por el compositor.
Los teóricos del Ars Antiqua se preocupaban por encontrar una escritura musical que satisficiese las crecientes exigencias de una polifonia que se desarrollaba con gran rapidez. Entre ellos hay que destacar a Pierre de la Croix, Gean de Garlande y Francón de Colonia, quienes codifican en sus escritos la ciencia musical de sus contemporáneos y fijan las normas que habían de servir, un siglo después , a los músicos del Ars Nova.
Los teóricos del siglo XIV , Philippe de Vitry , Jacobo de Lieja y Johannes de Muris. comprendían lo enunciado por los anteriores y perfeccionan un sistema de escritura que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relacción con las demás, de manera que al superponerse las voces podemos fijar con precisión la duración de cada nota y hacer coincidir las flexiones con las demás voces.
Esto es lo que se llama notación mensural , o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura . Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasas modificaciones ; sus principales figuras en el siglo XIV eran.
Máxima.
Longa
Breve.
Semibreve.
Minima.
Seminima.
Anteriormente, cada una de estas notas se dividía en tres de la inmediata siguiente, consiguiendo así un ritmo ternario, que se suponia relacionado con la Santisima Trinidad, pero en el Ars Nova aparece la posibilidad de que cada nota se divida en dos de la siguiente (como en la actualidad) dando entrada a los ritmos binarios y a todas las posibilidades combinatorias.

Música y sociedad.

Actuación en Cuarte de huerva
ELBIS Y LOS IBERICOS
Este soy yo tocando el teclado

Elvis en su actuación.

El Roman de Fauvel (1314-1316) es un extenso poema alegórico sobre las costumbres de la época. Loa autores del texto literario -Gervais du Bus y Chaillou du Pestain- describen la vida de un asno llamado Fauvel cuyo nombre es acróstico en los principales vicios observados en este mundo :
Flatterie (Adulación)
Avarice (Avaricia)
Vilenie (Villania)
Varieté (Veleidad)
Envie (Envidia)
Lâcheté (Cobardía

La música interviene en forma de interpolaciones muy ligadas al texto, principalmente de los motetes polifónicos ( de Felipe de Vitry, en particular) y de las monodías . El volumen de las piezas musicales es mucho más abundante que en el Jeu de Robin et de Marión ( hay más de un centenar ), y se puedan considerar estas adiciones como una verdadera antología de los géneros musicales en uso.

Aparato presentado como instrumento de música por su inventor , Fréderic Kastner (Les flames chantantes , París 1875), y que no pasó de ser una curiosidad acústica. Basado sobre las propiedades sonoras de las llamas de hidrógeno reguladas en tubos de dimensiones apropiadas , y que un mecanismo accionado por un teclado acercaba o separaba a voluntad, formaba una especie de órgano luminoso y sonoro a la vez , cuyo recuerdo han conservado los tratados de física.

Si os fijais en el midi suena igual el do y el sol con puntillo, que el do y el sol ,notas blancas con la negra que lleva una ligadura.
Una redonda con puntillo = una redonda+una blanca.
Una negra con puntillo = una negra+una corchea.
Una corchea con puntillo = una corchea+una semicorchea.

O sea que el puntillo aumenta medio valor de la nota que esta colocado el puntillo.

Adorno melódico sin forma rigurosamente determinada y sin signo especial de notación J.J. Roussau (1753) le considera sinónimo de roulade (trino) . Pero el sentido del vocablo es más general y se aplica aincluso a motivos de aspecto adornado y ligero. Asimismo esta palabra designaba antiguamente una especie de temblor desagradable de la voz, y por derivación se decía fredonnner al canturrear por lo bajo o interiormente algún tema melódico.

Instrumento musical javanés. Está formado por una caja cuadrada de cobre sobre la cual descansan cuatro cuerdas tendidas en cruz. Se toca golpeando con un mazo de madera.

Compositor español que contribuyó en gran manera a la creación de la zarzuela española, en oposición a la ópera italiana. Estudio en el conservatorio de Madrid con los maestros Pedro Albéniz y Carnicer. Sus primeros años de músico fueron verdaderamente dificiles, pues muerto su padre siendo él muy joven hubo de ingresar en las milicias como clarinetistas y luego se ganó la vida como pianistas en los cafés, como copista de música apuntador en el teatro y corista. Estos dos últimos oficios le permitieron conocer bien el teatro, y entonces fue cuando se le ocurrio escribir para el mismo. Su primera zarzuela estrenada fue Jugar con fuego (1851); obtuvo tan gran éxito que ella le animó a proseguir en el camino emprendido, y sucesivamente compuso multitud de otras zarzuelas, algunas de las cuales se hicieron rápidamente célebres y han sido representadas innumerables veces, aun en nuestra época; entre éstas destacan Pan y toros y el barberillo de Lavapies. Otra obra célebre de este músico en su monumental antología Cancionerio musical de los siglos XV Y XVI, en el que figuran 459 canciones de varios compositores españoles. En 1859 fundó los Conciertos espirituales En el Teatro de la Zarzuela de Madrid, y posteriormente dirigió otra organización de concierto de música clásica, de los cuales se originó la famosa Sociedad de Conciertos. Fue miembro de las Academias de Bellas Artes y de la Lengua. Es conocidó además, como excelente musicólogo. Publicó en revistas y periódicos numerosos trabajos de importancia sobre temas musicales: Reseña histórica de la Zarzuela, Contestación al maestro Hernando
y Últimos amores. Como compositor su actividad fue muy grande, pues es autor de 77 zarzuelas (que son las obras que más fama le dieron) , obras sinfónicas, motetes, canciones... Editó las comedias de Juan del Enzina. Nació y murió en Madrid (1823-1894).

ZARZUELAS PRINCIPALES DE FRANCISCO A. BARBIERI

Tramoya (1850), Escenas de Chamberí (1850), Jugar con fuego (1851), La hechicera (1852), El Manzanares (1852), La espada de Bernardo (1853), El Marqués de Caravaca (1853), Don simplicio Boadilla (1853), Galanteos de Venecia (1853), Aventura de un cantante (1854), Los diamantes de la Corona (1854), Un día de Reinado (1854), El Sargento Federico (1855), Mis dos mujeres (1855), Los dos ciegos (1855), El vizconde (1855), Gato por liebre (1856), El diablo en el poder (1856), Entre dos aguas (1856), El relámpago (1857), Por conquista (1858), Un caballero particular (1858), Un robo de las Sabinas (1859), Un niño (1859), Compromisos de no ver (1859), Entre mi mujer y el negro (1859), Un tesoro escondico (1861), El secreto de una dama (1862), Los herederos (1862), Dos pichones del Turia (1863), Pan y toros (1864), Gibraltar en 1890 (1865), De tejas arriba (1866), El pavo de Navidad(1866), Revista de un muerto (1866), El rábano por las hojas (1866), El pan de bodas (1868), El soprano (1869), Robinson (1870), Don pacífico (1871), Los holgazanes (1871), El hombre es débil (1871), Sueños de oro (1872), El tributo de las cien doncellas (1872), El proceso del cancán (1873), El testamento azul (1874), El domador de fieras (1874), Los comediantes de antaño (1874), El barberillo de Lavapies (1874),La vuelta al mundo (1876), La confitera (1876), Juan de Urbina (1876), Los carboneros (1877), Artistas para la Habana (1877), El loro y la lechera (1877), El diablo cojuelo (1878), El triste Chactas (1878), ¡ojo a la niñera¡ (1879), Los chichones (1879), ¡Anda valiente¡ (1880), A Sevilla por todo (1880), La filoxera (1882), De Jetafe al Paraiso (1883), Novillos en Polvoranca (1882) y algunas más.

El guitarrista y bajista, John Abercrombie, inició sus estudios musicales a los catorce años, si bien su autentico aprendizaje no comenzó hasta 1962, cuando entró en la Berklee School of Music. Estudió allí hasta 1966, bajo la dirección de Jack Peterson iniciando así una afortunada carrera como sideman y como solista. Después de tocar con el organista Johny Hammond, entró a formar parte de los "Dreams" un grupo de jazz-rock al que pertenecían también el batería Billy Cobham y el trompetista Randy Brecker; mas tarde se unió al batería Chico Hamilton, y al saxofonista Gato Barbieri para actuar en una edición del Festival de Jazz de Montreux.

En 1975 se incorpora al grupo New Directions del batería Jack DeJohnette con quien posteriormente y junto al contrabajista, Dave Holland, funda el grupo "Gateway". Abercrombie colabora también con el trompetista italiano, Enrico Rava, en cuyo grupo actuaría durante un largo periodo de tiempo. Instrumentista virtuoso y creativo, Abercrombie toca también además de la guitarra, el bajo eléctrico y un raro instrumento escasamente utilizado en jazz: la mandolina eléctrica. En mayo de 2003 participó en España en la 22 edición del Festival de Jazz del San Juan Evangelista, junto al organista Dan Wall y al batería Adam Nussbaum.

Mis discos de John Abercrombie

Tomaso Albinoni
Tomaso AlbinoniTomaso Albinoni (14 de junio, 1671, Venecia, Italia - 17 de enero, 1751, Venecia) fue un compositor italiano de música barroca. Escribió alrededor de cincuenta óperas, pero es mayormente conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe.

Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach el cual escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.

El Adagio de Albinoni es una reconstrucción de 1945 debida a Remo Giazotti sobre un fragmento de un movimiento lento de una sonata para trio.

Obras
Concierto para violín y orquesta (1710)
Concierto para oboe, opus 9 nº 2 (1722)
Concierto para oboe, opus 9 nº 8 (1722)
Sonata en Sol Menor (1740)

Es el cambio de una Tonalidad o Modalidad a otra.
Se consigue una modulación cuando se libera la función inicial de la tónica y se pasa a otra, para que ésta retome dicha funcón ( de tónica).
Según sea la modulación puede considerarse como:

-Transitoria : cuando solo sirva para alcanzar un grado de la escala.
-Definitiva:: Cuando un grado de la escala retoma el mando y se convierte en un nuevo centro tonal, o sea una nueva tónica.

Jean-Baptiste Lully


Jean-Baptiste LullyJean Baptiste Lully (nacido Giovanni Battista Lulli) (Florencia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687), compositor francés de origen italiano, Superintendente Real de la Música de Luis XIV.

Por su talento musical y de organizador, así como de cortesano intrigante, Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. Fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la tragedia lírica, el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue grande.

Biografía
Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de Mademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana.


A la edad de trece años ya manifestó serias dotes para la música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se componía de 24 instrumentos. En 1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la Nuit.

Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara, y finalmente Superintendente Real de la Música.

Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos.

Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la Academia Real de Música. Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o menos, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault.

En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella. La fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica.

Algunas de sus obras
Algunas de sus primeras obras, de la época en que era sobre todo violinista, y posteriormente compositor de bailes y de aires en estilo italiano son:

Les Amours Déguisés, 1664
La Naissance de Vénus, 1665
Les Muses, 1666
Vienen después las comédies ballets, realizadas en colaboración con Molière:

Le Mariage forcé, 1664
L'Amour Médecin, 1665
Georges Dandin, 1668
M. de Pourceaugnac, 1669
Le Bourgeois gentilhomme, 1670
En la última etapa de su vida, compuso trece tragedias líricas, la mayoría sobre textos de Quinault:

Cadmus et Hermione, 1673
Alceste, 1674
Thésée, 1675
Atys, 1676
Isis, 1677
Psyché, 1678
Bellérophon, 1679
Proserpine, 1680
Persée, 1682
Phaëton, 1683
Amadis, 1684
Roland, 1685
Armide, 1686
Achille y Polyxène, 1687 - incompleta
así como una pastoral heroica

Acis et Galatée 1686

Bailarin y coreógra